Territoires tissés se déroule sur une durée de 5 ans ( 2019-2023), financé par Wallonie Bruxelles International, avec le soutien de l’Académie de recherche et d’enseignement supérieur de la Fédération Wallonie-Bruxelles.

Le programme de recherche « Fixer l’archipel » est né en 2017 d’une volonté de proposer diverses méthodologies de travail à partir de l’espace insulaire méditerranéen, en considérant ce dernier comme un point de départ, mais surtout comme un point de vue spécifique pour développer une pensée géographique et métaphorique sur les positions des artistes, des citoyens, dans la société. La Méditerranée, mare medi terra en latin, signifie littéralement, la « mer au milieu des terres ».

Conception graphique : Julie Annezo

Documents

1669629242-programme-colloque-isba-frac.pdf

Programme

Bruno Tackels est essayiste et dramaturge. Agrégé et docteur en philosophie, il a enseigné l’esthétique et l’histoire du théâtre contemporain à l’université Rennes 2, à l’École régionale d’acteurs de Cannes, ainsi qu’à l’École des arts décoratifs de Strasbourg.

Louis Couturier et Jacky Georges Lafargue travaillent ensemble depuis 1991. À ce jour, ils comptent plus de quarante expositions solos réparties entre le Canada, les États-Unis et l’Europe.

Formé à l’UQAM et à l’École Nationale des Beaux-Arts de Lyon, ce duo franco-canadien aux personnalités distinctes réalisent des projets qui engagent des communautés et /ou explorent des lieux hors normes. Leur pratique consiste à regarder le monde, le vivre et s’y frotter pour en capter et restituer des parties de son essence et de sa complexité.

La nature des réalités abordées par le duo est variée. Cela va du Nunavut à l’île de la Réunion, en passant par la mine d’amiante d’Asbestos, la Baie James, Saint-Pierre-et-Miquelon ou encore plus récemment la frontière Manitoba/ Etats-Unis, les paysages australiens et les communautés mohawks de Kahnawake, Akwesasne, et Six Nations.

Leur travail a été vu dans des institutions telles le Musée d’art contemporain de Montréal, la galerie de l’UQAM, le Musée des beaux-arts de Montréal, le Musée national des beaux-arts du Québec, le Musée de Picardie (France) et le Centre Culturel Canadien à Paris.

Photo Bouger la mémoire, Louis Couturier & Jacky Georges Lafargue, 2019

Sara De Bondt est une designer graphique qui publie, recherche et enseigne. Son travail est typographique et motivé par le contenu. Elle travaille souvent avec des artistes, récemment avec Benedict Drew, Rosalind Nashashibi, et Jessica Stockholder.

Depuis 2008, Sara De Bondt a co-fondé la maison d’édition à but non-lucratif d’art et de design Occasional Papers. Elle a été commissaire de plusieurs expositions, la plus récente étant Off the Grid au Design Museum Gent en 2019.

Depuis 2017, elle est membre de l’Alliance Graphique Internationale. Elle intervient également à des conférences sur le design à travers le monde. Sara De Bondt a enseigné dans de nombreuses écoles d’art, notamment au Central Saint Martins et au Royal College of Art London, et est actuellement conférencière au KASK School of Arts à Gand, où elle termine ses études de doctorat.

Moss collectif est un collectif curatorial transfrontalier basé à Gand (B), lauréat de la bourse de recherche de l’Institut pour la Photographie (Lille), fondé par Anna Stoppa, Lotte Egtberts, Elisa Maupas et Lucie Ménard.

Thierry Brunfaut est directeur créatif et l'un des partenaires fondateurs de Base Design, le réseau international de studios de branding basé à Bruxelles, New York, Genève, et Melbourne. Il est l'auteur de la célèbre série d'affiches 5 minutes, professeur, et intervient régulièrement dans des conférences sur le design et la stratégie de marque dans le monde entier. Thierry ressemble de façon frappante et apparemment contradictoire à Moby et à Kermit la grenouille.

Instagram & Twitter
@thierrybrunfaut
@base_design

Base Design est un réseau international de studios qui crée des marques ayant un impact culturel.
Fondée au début des années 90, l'entreprise n'a cessé d'évoluer au fil des ans. Aujourd'hui, elle est dirigée par des partenaires issus des quatre studios. Parmi ses clients figurent Apple, le New York Times, l'Institut Français de la Mode, la Fondation Cartier, Studio Brussel, MoMA, le Bob Dylan Center, la Galerie Dior, l'Opéra de La Monnaie, l'IFAW, The Prince Estate, Orior, Bozar, NY Mets, Caran d'Ache, Caudalie, le Terminal 4 de JFK, et bien d'autres encore.

Performing Identity is a nomadic programme of learning and practice in Performance Art taking place over two academic years (22-23 and 23-24). 4 Art schools/universities are project partners : ENSAV - La Cambre and ESA Le 75 in Brussels (BE), UAP in Poznan (PL), Burren College of Art in the West of Ireland (IE), and three festivals : Verão Azul in Lagos (PT), New Performance Turku in Turku (FI) and (Pas si) Fragile ! in Brussels (BE).

En 2020-21, les étudiant.es Master 1 en Design textile et Design industriel ont travaillé pour la Cellule Climat de la Ville de Bruxelles, à la conception d'alternatives aux chaufferettes pour les terrasses de l'HORECA. Wolleke est le projet sélectionné par la Ville parmi les six propositions des étudiant.es.

Résolument bruxellois, Wolleke est un objet à usage individuel, qui combine plaid et tote-bag, pour une pause en terrasse lors des trajets en ville.
Photos : Henri Doyen

Documents

1667552694-lacambre-bxlwolleke021.pdf

Projet WOLLEKE

Yves Citton (1962) est professeur de littérature et médias à l'Université Paris 8 Vincennes-Saint Denis et directeur exécutif de l'École Universitaire de Recheche ArTeC. Il a enseigné pendant 13 ans à l'Université Grenoble Alpes et pendant 12 ans au département de français et d'italien de l'Université de Pittsburgh, PA. Il a obtenu son doctorat à l'Université de Genève, en Suisse, et a été professeur invité à l'Université de New York, à Harvard et à Sciences-Po Paris.

Gregory Chatonsky (1971) est un artiste franco-canadien. Depuis le milieu des années 90, Grégory Chatonsky travaille sur le Web et principalement sur son affectivité le menant à questionner l’identité et les nouvelles narrations qui émergent du réseau.
À partir de 2001, il a commencé une longue série sur la dislocation, l’esthétique les ruines et l’extinction comme phénomène artificiel et naturel.
Au fil des années, il s’est tourné vers la capacité des machines à produire de façon quasi autonome des résultats qui ressemblent à une création humaine.
Ces problématiques sont devenues convergentes grâce à l’”imagination artificielle” qui utilise les données accumulées sur le Web comme matériau d’apprentissage afin de produire une ressemblance. Dans le contexte d’une extinction probable de l’espèce humaine, le réseau apparait comme une tentative désespérée pour créer un monument par anticipation qui continuerait après notre disparition.

Depuis plusieurs années, des écoles d’arts visuels en Belgique francophone consacrent une partie de leur cursus à l’art performance, répondant ainsi à la dynamique nouvelle de ces pratiques dans le champ artistique professionnel. On voit ainsi apparaître de nouvelles générations d’artistes investissant les scènes belges et internationales de la performance avec des oeuvres individuelles ou collectives, multipliant les collaborations… Ils et elles ne font pas de la performance comme le faisaient leurs aîné·es, ils et elles inventent d’autres formes, qui cherchent de nouveaux espaces de monstration.

Commissariat : Lucille Calmel & Antoine Pickels. (Pas si) Fragile! 2022 est un projet porté par l’ENSAV-La Cambre, en partenariat avec l’erg et en coréalisation avec le Studio Thor. Grâce aux suggestions de Le 75, ARBA/ESA (ISAC), Arts², Beaux-Arts de Liège, Académie Beaux-Arts Tournai. En collaboration avec KANAL-Centre Pompidou et le Centre Wallonie-Bruxelles (Paris). Avec l’aide du FiPA-ESA (Financement de projets artistiques dans les écoles supérieures des arts) du Ministère de l’Enseignement supérieur de la Fédération Wallonie-Bruxelles, et le soutien de l’Ambassade d’Espagne en Belgique.

Quatre écoles d'art et trois festivals dans cinq pays s'unissent pour offrir un enseignement nomade de l’art performance, exploration emmenée par un groupe pilote d’une vingtaine d'apprenants et enseignants. Leur parcours prend pour fil la question de l'identité – envisagée successivement de manière intersectionnelle, dans sa relation avec le collectif, en rapport avec l'environnement naturel, et confrontée à la censure. En chemin est créée une archive vivante, qui témoigne de l’expérience.

Projet soutenu par le programme de partenariats de coopération Erasmus+.

Programme et informations : voir pièce jointe

Photographie : Performer, Lou Kanche. © DR.

Documents

1661344413-performing-identity-small-text-la-cambre-2.pdf

Performer l’identité — Programme et modalités d'inscription. FR/EN

Benoît Hennaut, directeur, Kevin Saladé, directeur adjoint, ainsi que toustes les enseignant·es et le personnel administratif et ouvrier de La Cambre, adressent leurs remerciements à tous les partenaires et félicitent toustes les étudiant·es diplômé·es et plus particulièrement les lauréat·es.

Design graphique D-E-A-L & Estelle Vanmalle

Le Graduation Show, exposition des projets de fin d'études des étudiant.e.s de Master, sera du 25 juin au 1er juillet 2022.
Informations à venir.

Documents

1653053595-jurys-2022.pdf

Programme jurys 2022

Le BPS22 offre donc à la fois un terrain de jeu pour ces étudiant.es et une vitrine pour leurs travaux artistiques. L’accueil de ce projet au sein d’un centre d’art à la réputation internationale est à la fois une opportunité formatrice et symbolique. Formatrice car il s’agit d’une rencontre entre des étudiant.es et une équipe, un lieu connu pour ses collaborations avec des artistes confirmés. Symbolique car une exposition hors école est un tremplin pour ces futurs professionnels du milieu de l’art. Animé par les mêmes objectifs, soucieux de rendre le musée accessible à tous les publics, le BPS22 accueille au même titre et avec le même engagement les étudiants en art que les artistes reconnus.

Devenir artiste, c’est plonger dans un nouveau territoire; c’est s’adresser à l’autre et tendre à l’universel à partir de préoccupations personnelles; le BPS22 et les équipes pédagogiques de Photographie et de Sculpture de La Cambre s’unissent pour faire de l’exposition F(r)ictions le porte-voix de ces jeunes générations d’artistes.

Photographie (Hervé Charles, Emmanuelle Indekeu, Pierre-Olivier Rollin):

Aliki Christoforou Constantara, Barbara Felgenhauer, Maëlle Helias, Romane Iskaria, Mishio Jacques, Maud Langlais, Lucine Letassey, Laure Lhoas, Camille Poitevin, Kamand Razavi, Anna Touré y présentent leurs travaux de fin d’études.

Lucille Briffaud, Théo Desmaizières, François Jacquemin, Asma Laajimi, Madeleine Petit, Camille Peyre, Rishi Singh, Valentine Vadella y présentent leurs travaux de Master 1.

Sculpture (Johan Muyle, Nancy Casielles, Sofia Dati, Virginie Devillers, Geoffroy Devolder, Aurélien Imbert, Philippe Ledocte, Anne-Cécile Maréchal, Maxence Mathieu):

Sophia Dieckschaefer, Lucas Mesdom, Flavia Parone y présentent leurs travaux de fin d’études.

Laurent Deffes, Flavie Houx, Kimia Nasirian, Loona Petrucci, Olivia Perce, Pernilla Roos y présentent leurs travaux de Master 1.

Justine Salamin, Valentine Jolibois, Zélie Boggio-Simon y présentent leurs travaux de Master en 3 ans et d’Erasmus,

Galatée Deschamps, Tom Forrest, Léo Marybrasse y présentent leurs travaux de fin de cycle de Bachelier 3.

Harriet Bénard, Blanca Castro Xiques, Elliott Schott, Tekla Subrizi y présentent leurs travaux de Bachelier 2,

Eve Gonzalez, Khorshyd Khajooyee y présentent leurs travaux de Bachelier 1.

Initiés en 2019, les « LABO_DEMO » du Centre Wallonie-Bruxelles | Paris, sont des dispositifs dédiés à valoriser la création contemporaine émergente – en arts visuels & en littératures contemporaines in & hors les livres. Implémentés avec la complicité d’écoles supérieures d’arts belges et françaises, l’ambition de ces cycles transdisciplinaires et hybrides est de valoriser des signatures artistiques encore non identifiées publiquement et d’attester autant de l’excellence de ces formations que de leur intrication, à l’heure où les parcours artistiques s’internationalisent et se déterritorialisent.

Event ICI
Billeterie pour réservation LÀ

Documents

1652452988-cwb-dossier-presse-labo-demo-litt.pdf

Dossier de presse

Le projet sera réalisé et présenté à la Quadriennale du 8 au 18 juin 2023 à Prague.

Projet collectif conçu et porté par les étudiant.es suivant.es :
Lucie Chauvin-Philippson
Mathis Parmentier
Félicie Decleire
Gaïa Adri
Rafaelle Roux

Projet encadré par Arié van Egmond.

Le concours a été organisé par :
l'ATPS (association des techniciens professionnels du spectacle) et la STA ( scenografie, theatre, architectuur, archieven en onderzoek).

Pour cette édition 2022, le projet part à la rencontre d’un immeuble emblématique, intimement lié à l’histoire de l’école, et avec lequel une page est en passe de se tourner à la faveur de notre immense projet d’un campus rassemblé à l’Abbaye de La Cambre. L’hôtel De Bodt, magnifique habitation moderniste due à Henry van de Velde, est intégré au patrimoine de l’école et en accueille les activités depuis 1967. Espaces de cours, d’atelier, mais aussi d’innombrables projets d’accrochages, de jurys, d’expositions publiques. L’exposition SWEET HOME rendra aussi hommage à ces murs dans lesquels tant d’autres l’ont précédée. Elle permettra un parcours inédit au sein d’un bâtiment dont l’histoire, les qualités architecturales et les espaces seront également rendus perceptibles au cours de la visite.

Commissariat exécutif, Lola Meotti
Photographie, Kamand Razavi

D’évidence, le textile est à bord : cordages, voiles, couvertures, ... En de constantes interactions, il relie, protège, porte, guide, tire, (r)assure. Les qualités fonctionnelles et sensibles du matériau souple résonnent avec les enjeux solidaires et collectifs portés par Navire.Avenir.Les étudiant.e.s et enseignant.e.s de l’ENSAV La Cambre en design textile amorcent des structures réversibles et polyvalentes sur le pont place; tendre un câble, orienter, sécuriser, ombrager, étendre le linge.Comment fabriquer un dispositif fonctionnel, qui contribue à l’accueil sur le navire et laisse une large marge d’appropriation ?

Workshop encadré par Pauline Santoni, Helen Vandevloet, Éric Chevalier, Toma Muteba Luntumbue.
Coordination : Anne Masson et Linda Topic.

Documents

1648721989-navireavenirlacambrewkshp022.pdf

Présentation du workshop NAVIRE.AVENIR

Après des études de lettres classiques, d’archéologie et d’histoire de l’art à l’Université de Strasbourg, Thérèse Willer dirige depuis 1992 la collection Tomi Ungerer aux Musées de Strasbourg et a ouvert à Strasbourg en 2007 le musée éponyme. Elle a été commissaire de près d’une centaine d’expositions sur le sujet dans le monde, contribué à des catalogues et dirigé ceux des collections permanentes et des expositions temporaires du Musée Tomi Ungerer. En 2008, elle a soutenu une thèse de doctorat en histoire de l’art à l’Université de Strasbourg, « L’œuvre graphique de Tomi Ungerer », qui a obtenu en 2009 le prix Martin Bucer décerné par la Fondation Saint-Thomas à Strasbourg et qui a été publiée aux éditions du Rocher en 2011 sous le titre « Tomi Ungerer. Graphic Art ». Elle s’intéresse de manière plus large au thème de l’illustration au XXe siècle (Saul Steinberg, Roland Topor). Elle s’attache au Musée Tomi Ungerer/Centre international de l’Illustration à ouvrir les collections à un large public, plus particulièrement grâce à la médiation avec des outils tangibles, en collaboration avec l’Atelier de didactique visuelle de la HEAR.

© Diogenes Verlag, AG, Zürich / Tomi Ungerer Estate.

La forme de la journée trouble intentionnellement le modèle académique en s’ouvrant à plusieurs dispositifs : présentation, retour d’expérience, table-ronde, débat, projection, exposition, performance, etc. Dans le même esprit, le contenu des échanges ne se limite pas à la présentation objective des intentions ou des conclusions d’une recherche, mais concerne tout autant la réflexion subjective sur les défis de la recherche, les situations vécues tant sur le plan intellectuel que matériel, les conditions pragmatiques de présentation des résultats d’une recherche, les rapports de force avec le modèle universitaire, etc.

Après une introduction par le directeur de l’école et le coordinateur de la recherche, la matinée est consacrée aux Mémoires de fin d’études de la Finalité approfondie et aux Doctorats en Art et sciences de l’art, tant du point de vue des mémorant·e·s et des doctorant·e·s que des encadrant·e·s de la recherche.

Après une présentation de l’asbl a/r art recherche, et du FRArt/Fonds de recherche en art par le directeur de l’école et une représentante d’a/r, l’après-midi est consacrée à l’après mémoire et doctorat, ainsi qu’aux autres formats de recherche développés au sein ou à partir de l’école.

Inscription : cliquez ici

Documents

1648478929-programme-journee-etudes-2022.pdf

Programme de la journée d'études — session 2022

Laure Prouvost (1867, Lieumeconu, France) vit et travaille.
Voici une longue liste de musées et d'institutions. Une ligne, des choses intéressantes, une virgule une ligne, une liste de résidences et de prix. Une sélection de projets solo dont : un bras élastique à Copenhague, des déglutitions et des respirations à Eindhoven, Smoking Mother à Copenhague, Melting Into Another à Lisbonne, un paradis occupé à Aalst, Deep See Blue Surrounding You à Venise, Toulouse et Villeneuve d'Ascq, une salle d'attente avec des objets à Minneapolis, un nouveau musée pour Grand-Papa à Milan, un salon de thé pour Grand-Mère à Derry, une salle de karaoké à Bruxelles, un nouveau bar à vodka à l'encre de poulpe pour Gregor à Rotterdam, une agence de voyage pour un oncle à Francfort, un hall pour l'amour entre les artistes de La Haye et de Lucerne... Des sachets de thé, des sols humides et des tentacules.

Annette Krauss est artiste et conférencière. Explorant la possibilité de pratiques participatives, son travail souvent basé sur la recherche aborde l'intersection entre l'art, la politique et la vie quotidienne. Son travail s'articule autour des connaissances informelles et des processus de normalisation qui façonnent notre corps, la façon dont nous utilisons les objets, nous engageons dans des pratiques sociales et comment ceux-ci influencent la façon dont nous connaissons et agissons dans le monde. Son travail artistique émerge à travers l'intersection de différents médias, tels que la performance, la vidéo, la recherche historique et quotidienne, la pédagogie et les textes.
Elle est actuellement doctorante à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne et enseigne à l'Université des Arts HKU d'Utrecht depuis 2010.

CHAIRE À VIF est une chaire ouverte au sein de l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, matérialisée par un cycle de conférences au long de l’année académique.
La chaire est proposée chaque année à une personnalité européenne qui se distingue sur le plan artistique, académique, sociétal ou scientifique.

Kasia Redzisz rejoint KANAL-Centre Pompidou après six années à la Tate Liverpool, où elle occupait le poste de Senior Curator depuis 2015. Elle y était responsable du programme d’expositions et de présentation des collections du musée ainsi que des collaborations internationales. Kasia Redzisz y a organisé plusieurs expositions saluées par la critique, notamment celles de Lucy McKenzie, de Theaster Gates, de Maria Lassnig, ou encore d’Edward Krasinski. Par ailleurs, de nouvelles commandes auprès d’artistes tels que Judy Chicago, Ugo Rondinone ou Sol Calero ont également été réalisées sous sa direction.

De 2010 à 2015, Kasia Redzisz à occupé le poste de commissaire d’exposition à la Tate Modern où elle a, entre autres, curaté les exposiions de Sigmar Polke, Alighiero Boetti et Mira Schendel. Entre 2008 et 2015, elle fonde et dirige Open Art Projects, une association Polonaise à but non lucratif dédiée aux commandes d’art innovantes. Entre 2011 et 2018, elle dirige avec l’artiste Miroslaw Balka le projet Otwock, explorant la relation entre art et localité. Plus récemment, son travail indépendant comprend de nombreux projets interdisciplinaires, tels que, l’exposition inaugurale du Muzeum Susch en Suisse (2019) ou encore la 4e édition de la Biennale Art Encounters à Timisoara (2021). Kasia Redzisz à également contribué à l’édition de plusieurs catalogues d’exposition et d’écrits dans des revues telles que Frieze, Mousse et Tate Etc.

Yves Goldstein, directeur de la Fondation KANAL, s’est exprimé au sujet de sa nomination : « Kasia Redzisz apporte une vision artistique avant-gardiste, qui reflète son engagement en faveur d’une programmation interdisciplinaire et de l’établissement de dialogues entre des pratiques artistiques issues de géographies diverses. Cette vision est soutenue par l’expérience unique qu’elle a acquise en travaillant intensément, non seulement dans des musées mais aussi dans des formats expérimentaux hors du contexte institutionnel. Ses compétences largement reconnues en matière de conservation et de leadership seront déterminantes pour l’élaboration d’un modèle institutionnel pour un nouveau musée, tant audacieux sur le plan artistique, que profondément conscient de son rôle civique. »

Laurent Le Bon, Président du Centre Pompidou, déclare : « Je suis ravi de voir Kasia Redzisz prendre la direction de KANAL-Centre Pompidou. Sa réputation est celle d’une conservatrice innovante, mais aussi rigoureuse. Son expérience institutionnelle et sa connaissance approfondie des collections des musées en font la partenaire idéale pour dialoguer avec le Centre Pompidou. Je me réjouis de notre collaboration lors de ce nouveau chapitre du partenariat entre la Fondation KANAL et le Centre Pompidou. »

Kasia Redzisz, directrice artistique, s’exprime à son tour : « Je suis ravie de rejoindre KANAL-Centre Pompidou à ce moment charnière de la mise en place de cette nouvelle institution. Bruxelles est le foyer de citoyens multiculturels, d’un nombre croissant d’artistes aux divers horizons et d’autant d’organisations culturelles. Ils seront indispensables pour l’avenir de KANAL, un musée qui sera équipé pour représenter et accueillir ces communautés tout en répondant à un monde en constante évolution - pertinent pour les débats mondiaux, mais engagé dans sa localité. La vision que je développe pour KANAL est celle d’un musée dynamique, réactif et interdisciplinaire - un espace d’expérimentation qui brise les paradigmes, qui nous rassemble pour célébrer l’art et continuer à repenser son rôle crucial dans nos vies. La création d’une nouvelle institution offre un potentiel gigantesque. Je suis ravie de me voir confier la responsabilité d’envisager son avenir et je suis impatiente de travailler avec mes collègues de KANAL, les artistes, les travailleurs culturels, les communautés, les chercheurs ainsi que les partenaires locaux et internationaux à la réalisation de ce projet. »

Photographie ©Veerle Vercauteren ©Fondation/Stichting KANAL

En 2022, la seconde édition de CHAIRE À VIF recevra Laure Prouvost (1867, Lieumeconu, France). Elle vit et travaille.
Voici une longue liste de musées et d'institutions. Une ligne, des choses intéressantes, une virgule une ligne, une liste de résidences et de prix. Une sélection de projets solo dont : un bras élastique à Copenhague, des déglutitions et des respirations à Eindhoven, Smoking Mother à Copenhague, Melting Into Another à Lisbonne, un paradis occupé à Aalst, Deep See Blue Surrounding You à Venise, Toulouse et Villeneuve d'Ascq, une salle d'attente avec des objets à Minneapolis, un nouveau musée pour Grand-Papa à Milan, un salon de thé pour Grand-Mère à Derry, une salle de karaoké à Bruxelles, un nouveau bar à vodka à l'encre de poulpe pour Gregor à Rotterdam, une agence de voyage pour un oncle à Francfort, un hall pour l'amour entre les artistes de La Haye et de Lucerne... Des sachets de thé, des sols humides et des tentacules.

© Photo by Gene Pittman, courtesy Walker Art Center, Minneapolis.

.

Documents

1647349340-visite-ateliers-2022.pdf

Programme — visite des ateliers

1646929057-plan-open-2022.pdf

Plan OPEN 2022

Seize jeunes artistes aux préoccupations singulières ont mis en regard leurs travaux récents et se sont interrogé·ex sur les liens que cette proximité pouvait faire émerger.

Tell Me Louder (Dis-moi plus fort/Dis-le moi plus fort) témoigne de l’énergie que génère l’exposition en tant qu’expérience collective, mais aussi de la difficulté qu’il peut y avoir à formuler ses désirs, ses intuitions au sein d’un groupe. Ce projet est né d’une volonté commune de développer une relation plus apaisée aux œuvres, aux autres et à l’espace. Quelles sont les conditions nécessaires pour que les propositions de chacun·e puissent coexister dans un même environnement ? Entre pulsions, modulations, tâtonnements, Tell me louder attire l’attention sur ces détails, communicables ou incommunicables, qui composent un imaginaire partagé.

Ainsi, conçues spécialement par les artistes pour l’espace du HISK, certaines pièces sonores « murmurées », à peine audibles, accompagnent la visite. Glissant imperceptiblement du registre du bruit à celui du langage, ces voix incitent à différents modes d'écoute et élargissent le champ sensoriel des œuvres. Conversations en direct ou en différé, monologues intérieurs, traces sonores de manipulations; sont autant de tentatives de s’adresser intimement aux visiteur·euse·s par le biais de canaux de communication alternatifs.

Laure Prouvost (1867, Lieumeconu, France) vit et travaille.
Voici une longue liste de musées et d'institutions. Une ligne, des choses intéressantes, une virgule une ligne, une liste de résidences et de prix. Une sélection de projets solo dont : un bras élastique à Copenhague, des déglutitions et des respirations à Eindhoven, Smoking Mother à Copenhague, Melting Into Another à Lisbonne, un paradis occupé à Aalst, Deep See Blue Surrounding You à Venise, Toulouse et Villeneuve d'Ascq, une salle d'attente avec des objets à Minneapolis, un nouveau musée pour Grand-Papa à Milan, un salon de thé pour Grand-Mère à Derry, une salle de karaoké à Bruxelles, un nouveau bar à vodka à l'encre de poulpe pour Gregor à Rotterdam, une agence de voyage pour un oncle à Francfort, un hall pour l'amour entre les artistes de La Haye et de Lucerne... Des sachets de thé, des sols humides et des tentacules.

Flavien Berger (1986, Paris, France) est musicien, auteur, compositeur et interprète.

CHAIRE À VIF est une chaire ouverte au sein de l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, matérialisée par un cycle de conférences au long de l’année académique. La chaire est proposée chaque année à une personnalité européenne qui se distingue sur le plan artistique, académique, sociétal ou scientifique.

Exposant.ex : Simon Aubry Picaudot , Francesco Battistello, Kloé Baumgertener, Nathan Bédon-Rouanet, Marthe Boissonnade, Paola Boscato, Garance Bossion, Lucille Briffaud, Lea Buffard, Sophie Burtscher, Camille Cireddu, Marilou Dard, Nele De Paepe, Fantin Delattre, Galatée Deschamps, Camille Devulpillieres, Tom Forrest, Eve Garanger, Léo Gasiglia, Etienne Grignon, Marius Hebert, Maëlle Helias, Victoire Honoré, Léon Huneau, Valentine Jolibois, Mehdi Khya, Zoé Lambert-Bernal, Cindy Lau, Michael Lecomte, Clara Lehon, Louise Lemmens, Mara Losange, Hadrien Loumaye, Maëlle Lucas-Le Garrec, Lucien Lyon, Thaïs Marquet-Ellis, Anatole Mélot, Louise Metzger, Dan Meyer, So Jung Moon, Louise Morfouace, Muth, Camille Peyre, Nathan Pierard, Mahaut Rey, Caroline Rohn, Bérénice Rohrer-Missiaen, Pernilla Roos, Jeanne Ruelle, Abel Saglio, Jorge Sáiz Zunda, Hovic der Sarkissian, Kenza Saleh-Veschetti, Manon Souza, Mirabelle Tjeega, Hannah Todt, Michelle Tulpinck, Flore Van Eycken, Diane Waddington, Léna/o Zipper

Plus d'infos : expositions@lacambre.be

Partenaires
• Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles (ARBA-ESA)
• École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre (La Cambre)
• École de recherche graphique (ERG)
• Institut national supérieur des arts du spectacle (INSAS)
• LUCA School of Arts
• Royal Institute for Theatre, Cinema and Sound (RITCS)

Les prix
• Prix du Public : Chaque jour, le public pourra exprimer son vote en ligne
• Prix CENTRALE : Un prix CENTRALE sélectionné par un jury composé des membres de l’équipe

Les 2 lauréat.e.s se verront octroyer un prix de 250€ chacun.e. ainsi qu’une projection publique à la CENTRALE le 13 mars 2022 à 16h (TBC).
Tou.te.s les artistes se voient verser des droits d’auteur

.

Le Prix Médiatine est un concours pour jeunes artistes plasticien·nes belges ou résidant en Belgique, toutes disciplines confondues. À l’issue de la sélection du jury orchestré par le Centre culturel Wolubilis, une dizaine d’artistes sont retenus parmi lesquels 7 d’entre eux sont primés. Véritable laboratoire de recherches plastiques, le Prix Médiatine se veut un tremplin par le biais notamment d’une exposition à La Médiatine et de la publication d’un catalogue. Peintures, dessins, photographies, installations, art vidéo, sculptures, performances, gravures,… l’occasion de découvrir ce qui se fait aujourd’hui sur la scène artistique belge émergente.

Le lieu apparait à la fois comme espace mental de recherche pour l’artiste, l’espace capté par l’appareil et l’espace d’expression et d’exposition du travail, induisant une complémentarité indissociable entre l’action du photographe et l’objet qui en résulte. Nous sommes heureux de pouvoir partager ces oeuvres en ce lieu-ci, à Paris, à la Galerie IMMIX.

Commissariat : Hervé Charles

Avec le soutien de la Galerie IMMIX, Les Amis de La Cambre, le Centre Wallonie-Bruxelles et OPENART.TODAY.

©Alice Pallot

Territoires tissés est un laboratoire collaboratif et transdisciplinaire, investissant les valeurs culturelles, techniques, patrimoniales et créatives véhiculées par la production du textile. En interrogeant l'écosystème des ateliers de tissage du Palais du Roi Agonglo à Abomey, le projet envisage la création et l’artisanat comme un levier de rencontres, d’apprentissages et d’émancipation pour tous les participants.

Financé par Wallonie Bruxelles International, avec le soutien de l’Académie de recherche et d’enseignement supérieur de la Fédération Wallonie-Bruxelles.

Instagram @territoirestisses
agonglovo.com

Le Théâtre National Wallonie-Bruxelles a depuis peu une nouvelle direction, un nouveau projet, et, pour accompagner ce nouveau regard porté sur le monde, initie un travail en profondeur sur son identité. Pour être à la hauteur de ses missions, il est important que ce changement ne soit pas que cosmétique, mais bien qu’il implique des changements de perspectives. Écologie, durabilité, égalité des genres, nouveaux modes de gouvernance et de management… autant de sujets déjà pleinement présents au cœur de l’institution et de son fonctionnement ainsi que dans les axes de programmation mais qu’il semble pertinent aujourd’hui de questionner davantage.

Parce qu’il faut bien commencer quelque part, un premier rendez-vous est donné pour aborder la question de l’écriture inclusive. Comment, en tant qu'institution culturelle, se positionner sur son usage ? Pour y réfléchir en profondeur, le Théâtre National organise une journée de réflexion et de rencontres entre ses équipes et des invitæs extérieures afin d’apporter un éclairage sur cette question.

• La linguiste Laurence Rosier (ULB, Bruxelles) membre du Conseil de la langue française et de la politique linguistique en Belgique

• Læ linguiste Alpheratz (Sorbonne Université, Paris) autaire d'une grammaire au genre neutre

• Enzo Le Garrec, membre du Club Mæd, autaire du Guide Pratique du Langage Inclusif en École d'Art

• Eugénie Bidaut (Atelier National de Recherche Typographique, Nancy) et Laure Giletti (Atelier de Typographie, La Cambre, Bruxelles), membres de la collective Bye Bye Binary actix sur le développement de caractères typographiques inclusifs, non-binaires, genderfucker. 

• Joëlle Sambi (autrice, artiste associée au Théâtre National) est associée à cette journée dans la perspective de la tenue d'une seconde journée d'étude à venir qui prolongera la réflexion sur les systèmes de domination dans la langue et l'écriture.

• Camille Circlude (erg, Bruxelles) membre de la collective Bye Bye Binary et Benoît Henken du Théâtre National coordonnent cette journée de réflexion.

• Comment se positionner politiquement en faveur des recherches autour de l’écriture inclusive, non-binaire, post-binaire, genderfucker ?

• Comment faire le pari de la recherche et de l’expérimentation, travailler avec des formes partielles, en construction, en évolution, ouvrant les imaginaires collectifs ?

• Comment tout à la fois porter la voix singulière de chaque artiste et le projet artistique global de l'institution ?

• Comment mettre en place les moyens nécessaires à l’accompagnement du personnel de l’institution dans la découverte, l’apprentissage et la pratique de l’écriture inclusive et des créations typographiques ?

• Comment intégrer le public le plus large possible dans cette démarche volontariste ?

• Comment s'engager dans des protocoles de licences libres qui autorisent et promeuvent l'utilisation, la modification et le partage de créations typographiques ?

• Comment se définir dans la non-définition ?

Voir https://www.theatrenational.be/fr/activities/2276-pour-une-langue-de-toustes-les-possibles

La veille, à l’occasion de la sortie d'un article de Bye Bye Binary dans la revue Raddar, la collective viendra présenter ses travaux, le jeudi 25 novembre de 18h à 21h, à la librairie Peinture fraîche ainsi que leur sélection de livres commentée.

Voir https://peinture-fraiche.be/bye-bye-binary

Bye Bye Binary (BBB) est une collective franco-belge, une expérimentation pédagogique, une communauté, un atelier de création typo·graphique variable, un réseau, une alliance. La collective, formée en novembre 2018 lors d’un workshop conjoint des ateliers de typographie de l’École de Recherche Graphique (erg) et La Cambre (Bruxelles), propose d’explorer de nouvelles formes graphiques et typographiques adaptées à la langue française, notamment la création de glyphes (lettres, ligatures, points médians, éléments de liaison ou de symbiose) prenant pour point de départ, terrain d’expérimentation et sujet de recherche le langage et l’écriture inclusive.

Voir http://genderfluid.space et https://www.instagram.com/bye.byebinary

Mario Ramos est né à Bruxelles en 1958, d'une mère belge et d'un père portugais. Sa petite enfance est rythmée par des séjours chez sa grand-mère maternelle, à l'orée d'un bois, et des grandes vacances au Portugal.
"Les premières histoires en images qui m’ont émerveillé sont les films de Charlot et les albums de Tintin. Très tôt, je suis fasciné par tout ce qu’on peut transmettre par un petit dessin. Études supérieures de communication graphique. Je découvre les fabuleux dessins de Tomi Ungerer et de Saul Steinberg. On s’inscrit toujours dans une continuité, c’est bon de remonter aux sources. Je commence par réaliser de nombreuses affiches, des dessins de presse, et finalement des livres pour enfants qui deviennent mon activité principale. Avec un crayon et du papier, tout est possible. C’est magique!"
Auteur engagé auprès des enfants et des professionnels, Mario Ramos a publié ses 33 albums chez Pastel. Ses loups, cochons, singes et autres personnages font rire et réfléchir les grands et les petits dans le monde entier.
Mario Ramos nous a quittés le 16 décembre 2012.

Cette séquence démarre cette année à La Cambre, du 25 au 29 octobre. Ci-après une partie du programme ouvert à la Communauté de La Cambre sur inscription obligatoire * :

• Performance — lundi 25 octobre à 18h, auditoire Stynen
50 Hertz
Salomé Guillemin, artiste et designer

50 Hertz est une performance de musique drone jouée avec un ensemble de céramiques et de néons amplifié par des effets.

• Performance et conférence — mardi 26 octobre à 18h, auditoire Stynen
Après résonance
Léna Babinet, artiste céramiste et ancienne étudiante diplômée de l’atelier de Céramique de La cambre

Après résonance est une performance qui explore la relation entre l’ancien et le futur, le très archaïque et l’imaginaire numérique.

Des pots de terre dans les murs de pierre : des résonateurs pour l’oreille et pour l’âme
Bénédicte Bertholon et Jean-Christophe Vanière, respectivement, archéologue et archéomètre, enseignant chercheur,

Les résonateurs, appelés pots acoustiques pour le Moyen Âge et l’époque moderne, présentent de nombreux témoignages archéologiques dans les édifices d’Europe et du pourtour méditerranéen. Ces pots de terre insérés dans les murs de pierre suscitent un questionnement interdisciplinaire et complexe visant à définir l’objectif poursuivi par les bâtisseurs pendant de nombreux siècles.

• Performance — mercredi 27 octobre à 18h, auditoire Stynen
Quartz
Christian Vialard, musicien compositeur, producteur et plasticien

Quartz fait partie d’une série de mes concerts/performances où j’utilise le son et en particulier ma guitare électrique pour expérimenter les différentes résonances des espaces dans lesquels ces performances ont lieu.
Le jeu avec les objets en céramique et porcelaine sur la guitare révèle par l’amplification une forme d’identité sonore de l’espace de la performance.

• Conférence (en anglais) — jeudi 28 octobre à 18h, auditoire Stynen
The Sound of materials
Tim Ingold, anthropologue et professeur d'anthropologie sociale à l'université d'Aberdeen (Écosse)

There can be no sound without movement, without feeling. Yet we are heirs to a way of thinking that puts all the movement, and all the feeling, on the side of our human selves, reducing the remainder of what we call ‘the material world’ to silence. Is this why we have failed so conspicuously to listen to it? In this talk, I shall argue that sound is as intrinsic to the mode of existence of materials – say of wood, or of clay – as it is to our own. But for the argument to stand, we have to reconceptualise both ‘sound’ and ‘material’, in terms of affective resonances rather than physical-mechanical properties. Against those who claim that sound has its own materiality, alongside the materiality of wood, clay, etc., I hold that sound enters into the very constitution of these materials – it makes them what they are. It is not, then, that sound is inherently material; rather, materials are inherently sonorous.

Le projet est porté par :

• L'École nationale supérieure des arts visuels, La Cambre, Bruxelles
• L'École nationale supérieure d'art, Villa Arson, Nice (FR)
• La Haute école d'art et de design (HEAD), Genève (CH)
• L'École supérieure d'arts plastiques de la Ville de Monaco, Le Pavillon Bosio, Monaco (MC)
• EKWC: Sundaymorning@ekwc, Tilburg (centre d'artistes en résidence et centre d'excellence visant au développement de l'art, du design et de l'architecture à travers la céramique).

*Avec regret et en raison des mesures sanitaires toujours en vigueur, les rencontres, performances et conférences prennent place dans le seul cadre des activités académiques et ne permettent pas d’accueillir un public extérieur. Merci pour votre compréhension.

Léna Babinet © Lynn Schoonbroodt, 2021

Oh Jinkyung est designer graphique orientée vers l'édition et membre de l'Alliance Graphique Internationale (AGI).

Elle a travaillé comme designer graphique pour une agence de publicité et une maison d'édition. Elle a également enseigné pendant plus de 10 ans à l'Université Hongik et à la PaTi (Paju Typography Institute).

Actuellement, elle est en charge de la direction artistique d'une série de manuels scolaires de coréen pour l'Institut Nationale de la Langue Coréenne (National Institute of the Korean Language).

Dans leur objectif commun de rendre plus accessibles la connaissance, le savoir-faire et les patrimoines scientifique et culturel bruxellois, Ohme et les Halles Saint-Géry vous invitent à découvrir l’exposition Perspectives du 8 octobre au 31 décembre 2021 aux Halles Saint-Géry.
Cette exposition retrace trois éditions du projet académique Recherche en Perspective pour lequel des étudiants de Master en Communication Visuelle et Graphique (ENSAV La Cambre) et des chercheurs de l’ULB issus de disciplines variées ont collaboré. Ensemble, ils ont co-créé et produit des supports de communication illustrant de manière attractive et visuelle des contenus scientifiques parfois difficiles à appréhender et communiquer.
Car si l’engagement dans la recherche académique et scientifique vise à contribuer à l’avancée des connaissances dans un domaine spécifique, cette contribution n’a de sens que si elle est comprise et partagée.

**Vernissage et talk introductif le 07.10.21 dès 18h00.

Ce vernissage sera introduit par un panel talk autour l'ArtScience, thème à l'originie de Mise en abyme au coeur de l'ArtScience, travail issu de la collaboration entre Cécile Cuny et Raoul Sommeillier et premier chapitre de l'exposition.
Le panel talk sera composé de:

• Marie-Carmen Bex, directrice générale adjointe d'Innoviris
• Gilles Bruylandts, chef du service Engineering of Molecular Nanosystems (EMNS, ULB)
• Arthur Dubois, étudiant en MA2 de communication visuelle et graphique à l'ENSAV (La Cambre)
• Nicolas Rome, chef de l'atelier de communication visuelle et graphique (ENSAV, La Cambre)

La présence au vernissage se fait sous inscription via le lien suivant: https://www.eventbrite.be/.../perspectives-opening-and...

Artistes, designers graphiques, illustrateur.rice.s:
Louis-Pierre Caussanel | Cécile Cuny | Manon Copper | Lucie David | Anne-Lise Depierre | Arthur Dubois | Lucie Faurès | Maria Fraga | Chloé Gaertner | Anaëlle Golfier | Raphaëlle Kern | Sébastien Rabaste | Caroline Rohn | Flore Sanchez | Louise Servan | Laura Simonati | Mariia Timofeeva | Axel Villarreal
Scientifiques, chercheur.e.s, doctorant.e.s, professeur.e.s:
Fariha Ali | Orianne Bastin | Gilles Bruylants | Quentin Delhaye | Isabelle Demeestere | Gwenaël Diélie | Amin Hossein | Jean Rosenfeld | Guillaume Schweicher | Raoul Sommeillier | Glenn Grauwels | Laurent Storrer

Ohme :
https://ohme.be/
Recherche en perspective :
https://ohme.be/academia/recherche-en-perspective/

Une cérémonie est organisée le mardi 14 septembre à 18h, à la bibliothèque de La Cambre afin d’accueillir ce don et rendre hommage à Anne Wauters qui fut enseignante à La Cambre de 1991 à 2000, curatrice, critique d’art et journaliste.

En réponse à un état d’aliénation latent, renforcé par une période de quasi invisibilité et d’inexistence économique des jeunes artistes, DOPPELGÄNGER fait référence aux codes du marketing, de la production industrielle, de la production de signes de reconnaissance graphique qui animent le monde économique et artistique.

Ce parcours, à travers l’infiltration d’œuvres d’art dans des vitrines inoccupées, met en exergue la façon dont les artistes s'emparent et détournent ces codes.

Articulée principalement le long de la rue Antoine Dansaert, artère du centre-ville historiquement liée aux créateurs, accessible aux regards jour et nuit, cette exposition repense l’imbrication des secteurs culturels et économiques. Elle pose la question du lieu d’exposition des œuvres et de leur perception par une audience plus large, dans un esprit de retour à l'art public.

Le parcours aboutit à la Maison du Projet (Atelier KANAL) de KANAL-Centre Pompidou, qui accueille pour la première fois des artistes émergents, dont certain.e.s issu.e.s de La Cambre signifié.e.s en italique:

Artistes:
Marc Buchy
Cathy Coez
Marcin Dudek
Arnaud Eubelen
Pauline François
Valérian Goalec
Benoit Jacquemin
Mikail Koçak
Marine Kaiser
Tanguy Poujol
Anna Safiatou Touré
Justyna Wierzchowiecka

Commissariat : Pauline Salinas et Hervé Charles

Vitrines:
82 boulevard Anspach, 1000 Bruxelles
10 rue Antoine Dansaert, 1000 Bruxelles
121 rue Antoine Dansaert, 1000 Bruxelles
1 rue de la Serrure, 1000 Bruxelles
118 rue Antoine Dansaert, 1000 Bruxelles
120 rue Antoine Dansaert, 1000 Bruxelles
10 Quai à la Houille, 1000 Bruxelles
12 Square Sainctelette (Atelier KANAL), 1000 Bruxelles

OPENART.TODAY est une plateforme créée par Hervé Charles (artiste et professeur responsable de l'atelier de Photographie de La Cambre) dans l'intention d'imaginer, produire ou condenser des propositions artistiques qui placent l'artiste au centre du projet. Dans cette perspective, OPENART.TODAY accompagne les artistes et les structures privées ou publiques dans le développement d'expositions, de résidences, d'intégrations artistiques ou de collection.

©Marcin Dudek

Documents

1630593603-dp-fr-doppelganger-hc-update-1908.pdf

Communiqué de presse

Initiée par La Cambre, organisée en partenariat avec l’Espace LaVallée, avec le soutien de la Fondation Moonens, cette manifestation s’inscrit dans le cadre de la Brussels Drawing Week.

Réservation obligatoire :
vernissage le 14 septembre, à partir de 18h
Cliquez ICI

Réservation obligatoire :
du 15 au 19 Septembre
Cliquez ICI

ou sur :
geniusloci2@gmail.com

©Aymeraude du Couedic et Jérôme Bonvalot

— Prix Fondation Boghossian
Harold Lechien (Gravure et image imprimée)
Félicien Umbreit (Céramique)

— Prix Fondation CAB
Martin Bonnaz (Peinture)

— Prix SAFFCA
( Southern African Foundation For Contemporary Art)
Résidence en Afrique du Sud et représenté à Art Brussels en 2022.
Harold Lechien (Gravure et image imprimée)

— Prix Jean-Louis Dupont « Fil Fou »
Yoann Piccardi (Design textile)

— Prix Fonds Roger De Conynck
Chloé Clément (Photographie)
Romy Berger (Photographie)
Le Fonds Roger De Conynck, géré par la Fondation Roi Baudouin, a pour objectif de soutenir la formation des jeunes photographes en vue de les aider dans le développement de leur carrière professionnelle.

— Prix De Mains De Maîtres Luxembourg
Participation à la 3e édition de la Biennale des Métiers d'Arts De Mains De Maîtres qui aura lieu du 25 au 28 novembre 2021 à Luxembourg.
Grande manifestation dédiée à l'artisanat d'art et savoir-faire d’exception, qui réunira une centaine d'artistes et créateurs.
Magoux Baeyens (Design textile)
Lynn Schoonbroodt (Céramique)

— Prix des Amis de La Cambre
9 nominé·e·s dont 3 prix Coup de cœur
Harold Lechien (Gravure et image imprimée)
Lili Schreiber (Stylisme et création de mode)
Lionel Dury (Dessin)

Léna Babinet (Céramique)
Xavier Duffaut (Gravure et image imprimée)
Milena Forest (Scénographie)
Paul Gérard (Espace urbain)
Charlotte Hermand (Scénographie)
Mehdi Gorbuz (Sculpture)

Benoît Hennaut, directeur, Kevin Saladé, directeur adjoint, ainsi que tou·te·s les enseignants·e·s de La Cambre, adressent leurs remerciements à tous les partenaires et félicitent tou·te·s les étudiant·e·s diplômé·e·s et plus particulièrement les lauréat·e·s.

Bel été et rendez-vous en septembre !

© Barbara Salomé Felgenhauer « péché originel »

Documents

1625049746-dp-trouble-2021.pdf

Communiqué de presse, programme, infos pratiques du Festival TROUBLE

.

Le Cahier Henry van de Velde n°17 est le troisième numéro  édité  par le Fonds Henry van de Velde depuis sa création en 2004. Le Fonds s’est fixé comme principal objectif de soutenir et d’accompagner l’école de La Cambre –aux plans scientifique, technique, financier et de la communication– dans la sauvegarde et la mise en valeur des archives du fondateur de l’école. L’association succ de une première association Henry van de Velde créée à La Cambre en 1960 –et dissoute en 1974.

Modèle Malika/Perruques en vinyle par les étudiant·e·s de Bachelor 1/ Direction artistique par Pierre Daras/ Typographie "Latrodectus Hasselti" par Paloma Brancato-Plana, Bac 2 de L'atelier de Typographie / Conception graphique et animation vidéo par Isabel Debry, Troisbarrespoint.

windowmuseum est une plate-forme indépendante mais participative dont l’intention est de rassembler, d’inciter ou de produire des projets artistiques concrets en réaction à cette période de crise sanitaire, politique et sociale. La plate-forme se veut aussi pérenne et évolutive en fonction du déconfinement.

Lola Meotti et Hervé Charles (artistes et enseignant.e.s à La Cambre) proposent de créer un mode de fonctionnement lié au commissariat confiné en rendant l’art à nouveau accessible au public, via l’espace public.

©Hicham Berrada - Céleste, 2014. Vidéo couleur Full HD, 5’55” ; ciel gris, fumée bleu ciel

Équipe pédagogique : Caroline Andrin (responsable du cursus), Abel Jallais, Erwan Mahéo, Coline Rosoux et Joëlle Swanet.

Photographie © Léna Babinet

À cette fin, le Fonds soutient des étudiant.e.s de Master dans la préparation et la réalisation de leur projet artistique de fin d’études, que ce soit sur des besoins de voyage, de matériel ou de production, ou encore dans des actions de diffusion et de rayonnement du projet.
Chaque projet reçoit un soutien financier de 1.000 €.

Pour la session 2021, le jury s’est réuni le 30 avril 2021 et a retenu les projets suivants :

• Enquête photographique auprès de la communauté assyrienne entre la Belgique et la France, de Romane Iskaria
• Mark Brand, d'Harold Lechien
• Le mot silence est encore un bruit, de Charlotte Lavandier
• U morsu di u sole d'oru (La morsure du soleil d'or), de Laetizia Debain
• Why are we going so fast, de Mehdi Gorbuz
• S'il y a un sens du réel, il doit y avoir aussi un sens du possible, de Milena Forest
• W.O.R.N. Weave Old Rags Into Nacre, de Magdalena Baeyens Magoux

Au vu du classement et de la qualité des dossiers, le Jury a par ailleurs décidé d’accorder deux prix supplémentaires (de 500 euros) au titre d’un soutien des Amis de La Cambre à : Amat Gueye et Fernando Miro.

Le Fonds d’aide aux projets des étudiant.e.s de l’ENSAV La Cambre est géré par la Fondation Roi Baudouin.

© Harold Lechien

.

Program

1. Presentation of the Meeting Point – Dr. Isabel Villaseñor (ECRO) + Cécile de Boulard (La Cambre). 5 minutes.

2. Turning to Green Conservation for the Preservation of Culture Heritage. Bianca de Souza Gonçalves (La Cambre). 10 minutes + 10 minutes Q&A

According to UNESCO, cultural diversity is just as necessary as biodiversity. The preservation of humanity’s cultural heritage should thus be indissolubly linked to the preservation of the planet. Nonetheless, numerous current conservation-restoration practices are damaging to the environment: from high energy consumption to the use of toxic materials and/or treatments, and the production of considerable amounts of waste. Conservation-Restoration is thus a profession that is not yet suited to the most pressing ecological issues of our time. Fortunately, conservators-restorers are beginning to be aware of their environmental impact and to understand its causes. Thus, in the last few years, a desire has arisen to find solutions that can address both the needs of the objects and the urgency of reducing the negative impact of conservation practice on the environment. Indeed, sustainable research and alternative materials are being developed, while platforms allowing to share good practices have appeared. This presentation will introduce these matters and show that enhancing sustainability in the cultural heritage sector may definitely be a challenge, yet it is one we, as a professional community, must urgently tackle.

3. An introduction to less toxic approaches for the cleaning of paintings. The particular case of acrylics. Bianca de Souza Gonçalves. 20 minutes + 20 minutes Q&A

Research on artworks cleaning has fostered the emergence of a panoply of methods, techniques, and materials which offer alternatives to reduce the use of solvents and other toxic products. Gels and emulsions are nowadays some of the best solutions in conservation and restoration to approach a “greener” conservation practice. Agar, the Nanorestore gels, Pemulen TR-2, and Velvesil Plus appeared (at least in theory) as an excellent opportunity to bring green chemistry awareness to cultural heritage conservation-restoration and, more specifically, for the cleaning of acrylic emulsions. This presentation is based on the research conducted under the supervision of Prof. Cécile de Boulard (CROA - ENSAV, La Cambre) and Dr. Richard Wolbers (Heritage Scientist), which dealt with a series of experiments specifically designed to investigate the environmental and health impact, the physicochemical principles, the facility of preparation/application, and the treatment efficiency of the four gels mentioned above for the cleaning of acrylic paintings. This presentation will focus on how these gels work and how we can adapt them to different types of cleaning problematics, while including sustainability and environmental criteria.

4. Skirting the solvents' toxicity: the cold-lining of paintings by reactivation Clémence Teitgen. 20 minutes + 20 minutes Q&A

Solvents are massively employed during the treatments involved in the conservation of paintings. Some of them are considered “good solvents” because they allow to successfully perform the desired conservation treatments. Nonetheless, other important aspects such as their polarity, retention or human and environmental toxicity, are not always taken into consideration. This presentation will offer an overview of how to skirt the toxicity of aromatic solvents employed in the reactivation of an acrylic adhesive when performing a cold-lining by using efficient alternatives that are safe for the treated objects, conservators-restorers and the environment. Indeed, results obtained during a research project performed under the supervision of Prof. Cécile de Boulard (CROA - ENSAV, La Cambre) and Dr. Paolo Cremonesi (Heritage Scientist), allowed to outline radically less toxic mixtures of alcohols, esters or ketones and iso-octane which allow to obtain high lining strength efficiencies at similar or lower polarities than xylene. These solvent mixtures are not only interesting for this specific application, but xcould also be valuable for other conservation treatments.

5. Conclusions and final remarks. Francisco Mederos-Henry (La Cambre). 10 minutes.

  Biographies

— Bianca de Souza Gonçalves
Paintings conservator, Studio Redivivus, NL
bianca.ds.goncalves@gmail.com

Originally from Brazil, Bianca Gonçalves is currently a paintings conservator at Studio Redivivus in the Netherlands. She received a BA in conservation and restoration from the Polytechnic Institute of Tomar, Portugal, and latter specialized in the conservation of easel and panel paintings through a MA at ENSAV La Cambre in Brussels.

— Clémence Teitgen
Freelance paintings conservator
clemence.teitgen@gmail.com

Given a lifetime interest in sciences and art, Clémence Teitgen obtained a scientific Baccalauréat diploma followed by a Bachelor in Art and Archaeological History from the University of Strasbourg in France, where she was introduced to the conservation of historical monuments. After her B.A., she spent a year in Rome studying paintings’ conservation before starting her studies at the Conservation-Restoration department of ENSAV La Cambre, where she obtained her Master of Arts in 2020. She is now working as a freelance paintings conservator between Belgium and France.

CINÉMA TT Chaque vidéo présentée dans ce programme transforme les territoires filmés en un espace de mémoire en se référant à des rituels anciens et au patrimoine architectural. Ainsi, les Serres royales de Laeken sont transformées en mausolée, un laboratoire botanique est personnifié, un arbre au milieu des montagnes kurdes devient lieu de recueillement et des objets en argile dispersés dans la ville de Dakar invoquent notre héritage culturel.

Avec les videos de Mehdi Gorbuz (BE), Ana Touré (FR/ML), Ophélie Hilbert (FR).

Conférence à l'initiative de la Fédération des Récupérathèques, SuperFaktur et de La Cambre — École nationale supérieure des arts visuels.

https://www.facebook.com/events/446068706471777

ITINERANCES est une proposition de l’atelier de Design textile de La Cambre et Valérian Goalec, en collaboration avec les Abattoirs de Bomel / Centre culturel de Namur.

L'exposition présente le travail des 11 étudiants ayant participé à la résidence : Marion Aeby, Shéryl Blauvac, Maud Brunstein, Sarah Carestia, Joséphine Charles, Suzanne Corcessin, Lucie Lenardon, Eden Millon, Clara Smoljanovic, Helen Vandevloet et Marie Vanrapenbusch.

http://centrecultureldenamur.be/residence-particuliere-2/

Crédits photos : Valérian Goalec Design graphique : Marie de Villoutreys

Documents

1616492713-carton-invitation-wkshp-itinerances-dt-ab.pdf

CARTON D'INVITATION

OPEN AIR, c'est aussi deux expositions à visiter sur réservation préalable ici et là.

Informations et détails, vendredi 12 mars 2021 sur OPEN AIR

Documents

1615811036-plan-open-air.pdf

PLAN OPEN AIR

Construire, déconstruire, arpenter, gravir ou dévaler, passer de l’ombre à la lumière, ou de la lumière à l’ombre.
L’exposition L’adret et l’ubac se love au creux du parc de l’abbaye de La Cambre, dans l’ancienne imprimerie de l’Institut géographique national, à la lisière des nouveaux espaces de l’école et d’un coteau discret, presque sauvage. 22 ancien.ne.s étudiant.e.s de La Cambre exposent leur travail. Tous d’horizons différents, issus d’ateliers divers. L’exposition divisée en deux grands espaces prend le parti pris scénographique du contraste. D’un côté l’ombre avec des vidéos—projections comme de grandes portes à franchir, et de l’autre la lumière avec un espace plus proche de la white box conventionnelle. Les artistes n’ont en commun que d’être sortis de la même école néanmoins ils représentent une scène, un regard critique sur le monde. La mixité des pratiques nous fait traverser des territoires multiples et insolites. Ils sont tantôt abruptes et tranchants, tantôt chaleureux ou poétiques, mais toujours doubles.

Avec le soutien des Amis de La Cambre.

Documents

1613656823-plan-ancienne-imprimerie.jpg

Plan-Ancienne-imprimerie

L’exposition regroupe les travaux des étudiants en Master 2. Elle cultive les ellipses et les incises, brouille les références et démultiplie les chemins à prendre. Loin de se cantonner à la seule peinture, elle forme un rébus décloisonnant notre rapport à l’image, au paysage, à l’identité, au son et à l’architecture. Un joyeux désordre qui en pointillés trace la géographie de l’atelier : cet espace dont le meilleur est ici à suivre et à prendre, à étendre encore et toujours.

Benoît Dusart

Celle-ci sera organisée en visioconférence afin de respecter les mesures de prévention contre le Covid-19. L'inscription à la conférence est au prix de 4 €, et 2 € pour les étudiants.

Si vous souhaitez y assister, nous vous invitons à vous inscrire dès maintenant par mail à aeroa@lacambre.be. Si vous êtes étudiant, merci de nous contacter via l'adresse mail de votre établissement, ou de nous transmettre une photo de votre carte d'étudiant. Toutes les modalités concernant le paiement et l'accès à la conférence vous seront communiquées après inscription.

CHAIRE À VIF est une chaire ouverte au sein de l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, matérialisée par un cycle de conférences au long de l’année académique. La chaire est proposée chaque année à une personnalité européenne qui se distingue sur le plan artistique, académique, sociétal ou scientifique.

Avec les travaux de Terje Abusdal, Léna Babinet, Chloé Delchini, Emma Delforge, Sophia Dieckschaefer, Xavier Duffaut, Perrine Estienne, Gabriel René Franjou, Silja Hubert, Margot Lassoie, Loubna Ouaqqa, Camille Poitevin, Pedro Riofrio, Apo Sanguinède, Léa Santantonios, Laetitia Troilo.

Toutes les œuvres ont été composées dans le cadre du module de Création Sonore et Musique Expérimentale initié par Céline Gillain à l’ENSAV La Cambre, en partenariat avec Q-O2 à Bruxelles.

Le module de Création Sonore et Musique Expérimentale propose un cadre privilégié d’écoute, d’expérimentation et de réflexion autour des questions liées au son, observées au travers du prisme des relations corps/ordinateur. Notre point de départ est le ‘Manifeste Cyborg’ de Donna Haraway.

Enseignantes: Julia Eckhardt, Céline Gillain, Caroline Profanter, Myriam Pruvot.

Merci à Q-O2.

©Chloé Delchini

WINDOWMUSEUM est une plate-forme indépendante participative créée par Lola Meotti et Hervé Charles dont l’intention est de rassembler, d’inciter ou de produire des projets artistiques concrets en repensant la question et les enjeux du modèle d’exposition traditionnel.

© Amélie Scotta

Documents

1611235464-communique-presse-limbes.pdf

Communiqué de presse Les limbes

Anthropologue de formation, Julien Ribeiro est curateur et fondateur du Lavoir Public, espace de création dédié aux écritures en mutation à Lyon, qu’il a dirigé jusqu’en 2016. Il travaille sur les impacts qu’a le politique sur nos vies et sur nos processus de création, la place des minorités jouant un rôle central dans cette recherche.
Membre fondateur du collectif WAW (archive LGBTQI et Art contemporain), il est associé à la programmation de l’exposition David Wojnarowicz — History Keeps Me Awake at Night au Mudam (2019) et fait notamment partie du comité de suivi de l’exposition Histoire et mémoires des luttes contre le VIH/sida (2021) au Mucem de Marseille. Il travaille aujourd’hui sur les savoirs silenciés , la maladie comme partenaire en tant que curateur associé à l’Antre-Peaux (Bourges), sur le projet ACT UP : ART = ACTION au Mac Val et plus généralement aux nouvelles formes de pédagogies.

En co-diffusion au MAC VAL- Musée d'art contemporain du Val-de-Marne dans le cadre de l'exposition ACT UP : ART = ACTION – Collaboration Act Up / MAC VAL- Musée d'art contemporain du Val-de-Marne avec Julien Ribeiro

Avec le soutien du Centre Wallonie Bruxelles de Paris

© Gran Fury

Un panel composé d’artistes, conservateurs et restaurateurs d’œuvres d’art, commissaires d’exposition, historiens de l’art, scientifiques et designers présenteront leurs travaux les plus récents. Dix ans après l'arrivée massive de la technologie d’éclairage LED dans les espaces publics et domestiques, ces journées offriront une perspective contemporaine, pointue et critique, sur les pratiques et les théories contemporaines de la lumière et de la couleur.

https://lightonpainting2020.be

Une coorganisation La Cambre/KIK-IRPA, à l’initiative d’Adrien Lucca dans le cadre de son projet « Light on painting » (FRArt/fnrs).

Avec le soutien du FRArt — Fonds de la Recherche en Art
Partenaire : la Villa Empain — Boghossian Foundation

Inscription / registration : LIGHT ON PAINTING

Soleil de minuit, 2017 © Adrien Lucca

Documents

1603984325-program-lop2020-version-3.pdf

PROGRAMME LIGHT ON PAINTING

Cette initiative s’inscrit dans un programme de coopération bilatérale entre le Bénin et la Belgique, jusqu’à l’horizon 2023. Un programme de 5 ans qui se construit comme un laboratoire donnant aux artisans, aux étudiant.e.s designers et architectes, ainsi qu’aux étudiant.e.s de l’EPA, l’opportunité d’investir les valeurs que transmet la production du textile et le site des ateliers : un vecteur de civilisation, d’art et de culture, de technique, une ressource patrimoniale et économique cruciale. En l’absence de toute possibilité de voyage depuis plusieurs mois, les étudiant·e·s et les équipes croisées des partenaires ont développé le site Agonglovo.com, relatif au projet et favorisant la production locale des artisans béninois.

https://agonglovo.com/ 

La Licence en Design de Mode de l’ALBA est le fruit d’une collaboration conventionnée avec L’École nationale supérieure des Arts visuels (ENSAV) La Cambre à Bruxelles. Les missions de coordination pédagogique, de développement du programme et de recrutement des équipes décrites ci-dessus sont assurées en étroite collaboration avec la direction de la Section Stylisme et création de Mode de La Cambre, selon les termes de la convention en vigueur.

www.alba.edu.lb

photo ©ALBA

Documents

1603969609-appel-cand-directeur-ecole-alba-mode.pdf

Profil de poste Directeur/Directrice de l'école de mode (ALBA)

L'objectif général du projet est de développer les compétences des étudiant•e•s participant•e•s et l'expertise pédagogique des organismes partenaires dans le domaine de la céramique d'art, en particulier dans une dynamique de recherche formelle et esthétique qui mette en jeu la matière intimement liée à la céramique avec d'autres paramètres techniques, formels ou conceptuels

Le projet est porté par :

• L’École nationale supérieure des arts visuels, La Cambre, Bruxelles
• L’École nationale supérieure d’art, Villa Arson, Nice
• La Haute école d’art et de design (HEAD), Genève

• L’École supérieure d’arts plastiques de la Ville de Monaco, Le Pavillon Bosio, Monaco
• EKWC : Sundaymorning@ekwc, Tilburg (centre d'artistes en résidence et centre d'excellence visant au développement de l'art, du design et de l'architecture à travers la céramique).

Photographie
Exposition ECART n°4, “Architectures céramiques - de la structure à l’ornement”, 2019, Flux Laboratory, Genève, photo © Head – Genève, Baptiste Coulon

En 2020 — 2021, la première édition de CHAIRE À VIF recevra Roland Gori. Initiateur de l’Appel des appels, il est professeur honoraire de Psychopathologie clinique à l’Université d’Aix-Marseille, Président d’honneur du Séminaire inter-universitaire européen d’enseignement et de recherche en psychopathologie et psychanalyse (SIUEERPP), Psychanalyste Membre d’Espace analytique.

Progressivement, les archives des promotions précédentes seront accessibles en ligne.
Images animées de la mode émergente, des photos signées 254FOREST et Emmanuel Laurent (Bachelor3) — et scénographiées au Studio 254FOREST, sur un casting de mannequins et d’étudiant·e·s, et réciproquement. La mode est OFF, vive la Mode.

Photo by 254Forest for La Cambre Mode/s/, Art Direction Pierre Daras, Model Sokhna Niane at IMMBruxelles — Graphic Design by TroisBarresPoint & Web development by Idlehands.

Pluie d'oiseaux sur un monde abîmé
Pendant le confinement, le paysage sonore a changé brutalement, tout le monde en a parlé. En ville, les oiseaux n’avaient plus à s’époumoner, on les réentendait enfin. Et c’était comme un rebranchement soudain, éblouissant, dissident, à un monde dont nous crevons d’être déliés. Pourtant ils continuaient à s’éteindre, les pathologies se multipliaient à la frontière hommes-bêtes, on ne connaissait toujours pas leurs noms, mais on se disait qu’on les entendait davantage, et on se cramponnait à leur chants pour se faire croire que la pandémie avait au moins quelque chose de bon pour la planète. Peine perdue. Que faire en vérité d’une douceur éprouvée si fort, dans un moment de saccage social, et quand plus personne n’avait le droit d’accompagner ses morts ? Il faut beaucoup de tact pour observer le silence…

Marielle Macé est directrice de recherche (CNRS-EHESS) et écrivain. Actuellement auteure associée au théâtre des Amandiers à Nanterre, elle fait également partie des animateurs des revues Critique, et Po&sie. Ses livres prennent la littérature pour alliée dans une réflexion critique sur les formes de la vie commune — sur ce qui nous divise, nous anime, sur ce à quoi l’on tient. Parmi ses publications récentes : Styles. Critique de nos formes de vie (Gallimard, 2016), Sidérer, considérer. Migrants en France 2017 (Verdier, 2017), et Nos Cabanes (Verdier, 2019), qui a inspiré de nombreux projets artistiques.

Armleder est invité à investir, pour sept mois, les espaces du Showroom de l’ancien garage Citroën bruxellois. L’artiste y propose, en dialogue avec une série d’installations monumentales qu’il a spécifiquement pensées pour chacun des six plateaux bruts du lieu, une constellation d’expositions, d’événements et de rencontres qui offrent la possibilité de plonger dans son univers et celui de celles et ceux qu’il aime.

Exposition du jeudi, 24 septembre, 2020 — dimanche, 25 avril, 2021

Territoire ©Sarah Minutillo

<><><><><><><><><><><><><><><><

Soucieux de vous accueillir dans les meilleures conditions tout en respectant scrupuleusement les règles de sécurité imposées par la situation COVID-19, nous vous invitons à réserver votre visite en remplissant le formulaire ICI

Merci de vous munir de l’e-mail de confirmation de votre inscription lors de votre venue.

Afin d'assurer une visite sécurisée et agréable pour tout visiteur, nous demandons de respecter les mesures suivantes :

• Une jauge horaire avec des quotas a été mis en place afin de répartir le nombre de visiteurs tout au long de la journée. Veuillez respecter l'heure que vous aurez choisie.

• Il y a un parcours préétabli (une signalétique claire indique le sens de circulation). Veuillez-vous y tenir et ne pas rester plus d’1 heure dans le bâtiment

• À l'intérieur du bâtiment, les règles de distanciation sociale s'appliquent. Les visiteurs sont priés de garder une distance de 1,5 m. Il est interdit de monter dans l'ascenseur à plusieurs.

• Afin de réduire le risque de contamination, le port du masque est obligatoire pour les visiteurs à partir de 12 ans.

• À l'entrée un contrôle de sécurité sera effectué ainsi qu'une vérification de votre réservation

• Les sanitaires et autres endroits sensibles (poignées, portes) seront régulièrement nettoyés.

• À l’entrée et à chaque étage du bâtiment, des gels hydroalcooliques seront disponibles. Des masques seront également disponibles pour toute personne ayant oublié le sien

Les « Labo_Demo » du Centre Wallonie-Bruxelles | Paris, initiés en 2019, sont des dispositifs dédiés à valoriser la création contemporaine émergente – en arts visuels & en littératures, implémentés avec la complicité d’écoles supérieures d’arts belges et françaises.

Documents

1592828580-426-cp-labodemo-2020.pdf

Communiqué de presse

Ci-dessous les liens pour vous inscrire à une des deux sessions. Les inscriptions sont ouvertes jusqu’au 1er juin 2020 15h.

Session du 8 juin :
Le nombre de places maximum pour participer aux e-JPO du 8 juin a été atteint.

Session du 12 juin :
Le nombre de places maximum pour participer aux e-JPO du 12 juin a été atteint.

Si vous avez des questions d'ordre administratif, notre secrétariat étudiant.e.s se fera un plaisir de vous répondre. Pour cela, n'hésitez pas à contacter :
• Sandro Barigand, sandro@lacambre.be — 1er cycle Bachelier
• Gérald Teixeira, gerald@lacambre.be — 2e cycle Master

Enfin, si vous avez des questions d'ordre administratif, notre secrétariat étudiant.e.s se fera un plaisir de vous répondre. Pour cela, n'hésitez pas à contacter:

• Sandro Barigand, sandro@lacambre.be — 1er cycle Bachelier
• Gérald Teixeira, gerald@lacambre.be — 2e cycle Master

Pour les candidat.e.s se présentant uniquement aux admissions de second cycle, et ayant des questions relatives aux diplômes et/ou aux équivalences, merci de contacter:

• Luis Carrera Fernandez, luis@lacambre.be — Conseiller académique

Laure Mortiaux et Marie Postec exposeront le travail de restauration déjà effectué sur les revers des volets (présents à l’exposition) et sur le registre inférieur du retable ouvert (à nouveau à la cathédrale de Gand), ainsi qu’une introduction à l’art de Van Eyck pour permettre à chacun.e d’apprécier pleinement l’exposition de Gand.

En partant du fond: Françoise Rosier (La Cambre), Laure Mortiaux (La Cambre), Nathalie Laquière, Marie Postec (La Cambre) et Cécile de Boulard (La Cambre)
© IRPA-KIK

Pierre-Michel Menger est Professeur au Collège de France, Directeur d’études à l’EHESS/École des hautes études en sciences sociales à Paris, et Directeur de la Revue française de Sociologie. Il est l’auteur, notamment, des ouvrages Le travail créateur. S'accomplir dans l'incertain (2009) et Portrait de l’artiste en travailleur. Métamorphoses du capitalisme (2003). Il a dirigé l’ouvrage Le Talent en débat paru aux PUF/Presses universitaires de France (2018).

Mardi 10 mars 2020 à 18h30, Grande conférence de Pierre-Michel Menger à l’ULB. Événement qui va de pair avec celui-ci.

©Emmanuelle Marchadour

Par soustraction, on entend ici l’obsession normative, l’absolu de la définition, l’arbitraire de la délimitation qui, par le sang, les larmes et les instruments de mesure, caractérisent les entreprises coloniales. Le laboratoire WEDGE et ses extensions sont des territoires d’accueil, des lieux d’addition(s), où la polyphonie orchestrée à l’unisson s’efface au profit d’un brouhaha dissonant et fertile, où le monde se déploie en collectif(s) et en superposition(s). Aucune position n’y est stable ou acquise et les places y sont difficiles à prendre car jamais figées.

Decolonizing the mind. We are the Other. s’inscrit à la fois comme première manifestation autonome du projet WEDGE, mais également dans le Asmara-Addis Literary Festival in Exile fondé par Sulaiman Addonia, se déroulant les 27 et 28 février 2020 à Bruxelles (voir programme). L’évènement Cambrien propose un premier temps de rencontre le 28 février, avec une présentation des textes des étudiants de la Creative Writing Academy, une visite guidée des pièces produites par les étudiants artistes de La Cambre, et une table ronde autour des notions de frontières et de bordures, en écho aux thématiques révélées par les textes et productions exposés. Un second temps propose la prolongation de l’exposition les jours suivants (2-6 mars), avec une retranscription vidéo de la journée du 28 diffusée en plus de l’exposition des pièces des étudiants.

Institutions partenaires:
Commune d’Ixelles et Passa Porta

Voir programme détaillé à gauche

Documents

1582196378-programme-wedge.pdf

Programme détaillé WEDGE

La Cambre développe son projet pédagogique et son programme de manière connectée aux enjeux du monde contemporain. La présence d’artistes réfugié·e·s au cœur de nos sociétés déplace nécessairement le curseur des préoccupations et des représentations, et oriente d’autres artistes initialement présent·e·s sur ce territoire d’accueil dans la manière dont ils et elles prennent position, esthétiquement ou politiquement. Ces frottements et ces effrangements sont nécessaires auprès d’un public de jeunes artistes étudiant·e·s en école d’art : de manière générale, et sur un plan contemporain de grandes tensions liées aux migrations en cours, La Cambre souhaite donc accueillir ces artistes réfugié·e·s ou déplacé·e·s en son sein par le biais des coorganisations de laboratoire dans le projet INFRA.

Documents

1582295057-1-infra-dossier-de-presse.pdf

Dossier de presse

Pour les performances Birdwatching (2009) et One/Zero (2011), il travaille en étroite collaboration avec l’artiste visuel Erki de Vries. En 2012, il quitte le théâtre pour s’aventurer dans l’espace public. Sa performance ambulante Birdwatching 4x4 est un must des festivaliers et critiques et a tourné pendant plusieurs saisons. Aujourd’hui, Benjamin tourne avec l’installation Inter-view (2013) ainsi qu’avec la chorégraphie sonore Hear (2016). Pour ces deux pièces, il collabore avec des groupes de participants locaux. Il travaille également sur plusieurs projets de performances et installations dédiées à l’espace public.
Benjamin Vandewalle s’intéresse de près à l’éducation de la danse et s’adresse à des enfants, des amateur.rice.s, des étudiant.e.s ainsi qu’à des professionnel.le.s. Il a été invité en tant que professeur au KASK et au MUDA et a également créé une chorégraphie pour Passerelle. (Courtrai, BE). Il a collaboré avec l’école de danse sud-africaine Niakaza, a dirigé le projet Comfusao au Mozambique et a accompagné un groupe d’étudiants en danse de P.AR.T.S., au cours d’un échange au Sénégal. En collaboration avec le philosophe Jan Cnops et un groupe d’écoliers de Molenbeek, il a réalisé les documentaires (un)usual et Movements.
Benjamin Vandewalle est artiste en résidence au Kaaitheater de 2017 à 2021.

Ce workshop visera à questionner les relations de la littérature aux pratiques artistiques contemporaines, à cerner les moyens d’y fondre les principes d’autres disciplines et donc à ouvrir le texte à de nouvelles possibilités esthétiques, économiques et politiques par la création d'une pièce sonore cosignée par les trois intervenants et les membres de l’atelier. La semaine se dépliera d’abord autour d’œuvres contemporaines chères à chaque étudiant·e, qu’elles soient aimées ou détestées, qu’elles procèdent d’une culture légitime ou d’un corpus dit populaire, qu’il s’agira ensuite de faire exister textuellement sans se contenter de les citer ou de les montrer.

Informations complémentaires du workshop: voir pièce jointe à gauche

Documents

1580992897-all-indeterminacies-are-one-workshop.pdf

Présentation du workshop "All Indeterminacies Are One"

Le module Art(s) & Écriture(s) est le lieu d’une double exploration. Celle des rapports entre le mot et l’image dans la création artistique contemporaine, d’une part ; celle du mot qui se fait image et de l’écrit qui se fait œuvre, de l’autre. Mais l’écriture et l’image ne sont pas toujours en relation d’amitié : dans le sillage de l’art conceptuel, le langage peut abriter un conflit productif à l’encontre de la domination de l’image et de la vision dans l’histoire de l’art aussi bien que dans les média et dans l’histoire de la perception en général. Si bien que l’écriture peut se configurer comme négation de l’image, comme alternative conceptuelle à la domination des images dans le monde contemporain, et c’est peut-être là aussi que se joue son importance pour le présent et le futur des arts.

L’intention est également de mettre l’accent sur les nouvelles formes de l’écrit dans l’art et le(s) rôle(s) que ces dernières sont amenées à jouer dans la réinvention du rapport entre écriture et arts plastiques. Le 21e siècle a vu en effet émerger et se multiplier de nouveaux supports de l’écrit charriés par les avancées technologiques : leur émergence et leur développement ont donné lieu à de nouvelles formes d’expression chez les artistes qui s’en sont emparés. Les mutations et les modulations contemporaines de l’écrit induisent de nouveaux usages, produisent des expérimentations inédites, élargissent des perspectives, suscitent des réflexions et des questions dont ce module voudrait se faire la caisse de résonance. Il s’agit de questionner, en l’explorant à partir de pratiques artistiques concrètes, la variété contemporaine des formes de l’écrit dans l’art.

Julien Maire (né en 1969) travaille depuis le milieu des années 90 au croisement de plusieurs disciplines comme la performance, l'installation média et le cinéma, produisant des œuvres-performances live et hybrides. Ses œuvres ont été présentées à Transmediale, Ars Electronica, Digital Art Festival, European Media Art Festival, Film Festival Rotterdam, Film Festival Oberhausen , Sonar, ZKM, ICC Tokyo, Empac, Powerstation Shanghai. Julien Maire à été le lauréat de la Biennale Update_2 en 2008 et finaliste du World Technology Award de New York en 2009; son travail s'est vu distingué par trois mentions d'honneur au Prix Ars Electronica.

Micrographia
La figure de Robert Hooke demeure encore largement méconnue en Europe. Il est cependant considéré comme le Léonard d’Angleterre : mécanicien, expert en optique, astronome et dessinateur hors pair. En 1665, il publie ce qui est à présent considéré comme le tout premier best seller scientifique, à savoir,: “Micrographia” ( Micrographie ) qui rassemble les gravures de ses observations faites au microscope et au télescope. En utilisant des technologies DIY, des webcams transformées, le workshop propose de concentrer son regard sur des images micros et macroscopiques. Loin des prouesses et des technologies actuelles, il s’agira plutôt de renouer avec la fascination que pouvaient susciter les premières et empiriques observations de ce qui relevait du visible.

© Puce, gravure de Robert Hooke, 1665

Le module propose un cadre privilégié d’écoute, d’expérimentation et de réflexion autour des questions liées au son, observées au travers du prisme des relations corps/ordinateur. Notre point de départ est le ‘Manifeste Cyborg’ de Donna Haraway.

16 étudiant.es présenteront le fruit de leur travail à Q-O2 le mardi 28 janvier 2020 de 18h à 21h :
Émilie Bedin, Jean-Baptiste Brueder, Raphaëlle Dogo, Maria Fraga, Paul Gérard, Fabien Karp, Hannah Kircher, Grégory Krigier, Timothée Lee, Mathilde Letombe, Ara Méndez-Murillo, Gabrielle Mogenet, Clémence Rogge, Estelle Saignes, Lucien Schubert et Louise Servan.

Accueillis au cœur du centre d’Art contemporain pour y établir l’atelier, les étudiant.e.s y engagent leurs recherches, esquissent les premiers témoignages et ébauchent leurs idées. Ils/Elles empruntent à l’artiste son organisation qui, par des procédés de collection, contraste, récupération ou amplification d’objets banals propose un regard polysémique sur l’échange. Si l’artiste explore le papier comme support de valeur et de trace d’activité, les étudiants choisissent d’en renforcer sa fragilité.

L’ancienne banque du quartier héberge la présentation de leurs expérimentations comme le résultat d’observations diverses et minutieuses. L’atelier devenu nomade a trouvé refuge, une seconde fois, à l’Antenne de quartier qui a remplacé le comptoir de finance.

Au croisement des trois avenues, les étudiant.e.s brassent et interprètent la réalité. Ils dévoilent les changements de modèles ; ils réinventent la vie et l’histoire d’un territoire précieux.

La jeune artiste Sandrine Morgante invitée par l’atelier de Dessin accompagne les étudiant.e.s dans ce module.

Ce projet est rendu possible grâce à la complicité d’Annabel Debaenst, reponsable pédagogique du Wiels, Anne Bocquet et Kévin De Bruyne à l’Antenne de quartier. Ce projet reçoit le soutien du Wiels, centre d'Art Contemporain, de Stéphane Roberti, Bourgmestre et Charles Spapens, Echevin de la Revitalisation des quartiers, dans le cadre du Contrat de Quartier Durable Wiels-sur-Senne.

C’est cet intérêt particulier pour la notion de corps en tant qu’archive qui l’a conduite à emprunter la voie du doctorat, comme chemin possible pour obtenir une compréhension plus vaste de la poétique de ce phénomène. Cette corrélation entre archive et corps est de plus en plus revendiquée, notamment par un certain nombre d’artistes qui considèrent le corps comme un réservoir de savoirs, voire un lieu d’héritage, et comme un véhicule capable de connecter passé, présent et futur. Que signifie archiver le corps ? En quoi cette opération diffère-t-elle de l’archivage d’objets et/ou de documents ? Comment penser un travail sur les archives à partir du corps, c’est-à-dire à partir d’un ensemble d’opérations et de méthodes qui n’aspirent pas nécessairement à l’authenticité ou à la fidélité ? Comment peut-elle montrer plastiquement des archives immatérielles ? Quelle est l’approche à adopter pour traiter les pratiques archivistiques de ce qui semble être « inarchivable » ? Telles sont les questions auxquelles elle va essayer d’apporter une réponse. À travers une pratique artistique singulière et autonome, elle va s’interroger sur la manière dont l’Autre peut être incorporé, archivé et transmis. Pour ce faire, elle a développé trois volets, trois propositions artistiques - 90 mouvements sur TECHNOGYM G6508D, Not himself, not herself, not itself et Laboratoire sur les manières de chercher, détruire, inventer, être et performer l'archive – qui constituent trois différentes approches du corps en tant qu’archive dans le but d’explorer différentes voies d’action.

Carolina Bonfim est une artiste et chercheuse née à São Paulo. Centrée sur la question des archives immatérielles, sa pratique se base sur le développement et la mise en œuvre de modes expérimentaux de transmission et de traduction. Au cours de ces dernières années, elle a mené à bien différents projets, qui ont en commun l’établissement d’un dialogue étroit avec la pensée critique. Elle a récemment exposé Not himself, not herself, not itself au Homesession Artspace (2019, Espagne). Ces travaux ont également été présentés à la Casa do Povo (2018, Brésil), au MARCO - Museo de Arte Contemporáneo de Vigo (2017, Espagne), au Centre national de danse contemporaine d’Angers (2016, France), au Museo de Arte Contemporáneo del Sur (2017, Argentine), à la Fundació Miró (2015, Espagne), à la Galerie A Gentil Carioca (2014, Brésil), au Lugar a dudas (2014, Colombie), entre autres.

Léa Bismuth est autrice, critique d’art, et commissaire d’exposition. Elle collabore très régulièrement avec artpress depuis 2006, et a publié des textes dans de nombreux catalogues. Sa pratique de commissaire d’exposition mêle littérature et art contemporain, et explore les possibles d’une écriture de l’exposition, de l’essai au récit. C’est dans cette perspective qu’il faut appréhender le programme de recherche curatoriale qu’elle a initié : La Traversée des Inquiétudes (d’après Georges Bataille, de 2016 à 2019, à Labanque de Béthune). Elle a également été commissaire d’exposition pour Le BAL, Les Tanneries, Le Drawing Lab, Les Rencontres d’Arles, Le musée Delacroix, L’Association Man Ray… Elle se tourne de plus en plus vers l’objet-livre, menant à la parution de La Besogne des Images (2019, Editions Filigranes). Et prépare une thèse de doctorat depuis 2017 sur « le passage à l’acte de l’écrivain », à l’EHESS.

Avec le soutien de la Fondation Thalie

Johannes Muselaers est titulaire d’une Maîtrise en histoire de l’art de l’Université catholique de Louvain. Spécialisé dans les domaines de l’iconologie, de l’herméneutique et historiographie, il a consacré sa thèse à l’émergence de la théorie picturale de Georges Didi-Huberman. Depuis 2017, il travaille pour le Philippe Vandenberg Foundation, où il est responsable des archives et de la recherche.

No title, 2007, Marker pen and pencil on paper, 42 x 29.7 cm ©EstatePhilippeVandenberg

Franck Apertet est associé depuis 1994 avec Annie Vigier sous le générique les gens d’Uterpan. Les gens d’Uterpan constituent une œuvre critique à partir d’une pratique initiale de chorégraphes. Leur réflexion opère par le déplacement et la recontextualisation de procédés d’action ou de monstration propres au champ des arts plastiques et au spectacle vivant. Ils traitent chacune des étapes constituant la pratique de l’artiste et renvoient une responsabilité au visiteur, au commanditaire et à l’institution dans leur travail. Leurs pièces sont montrées dans des centres d’arts, des musées, des festivals ou biennales, des espaces théâtraux, et dans l’espace public. Annie Vigier et Franck Apertet (les gens d’Uterpan) sont représentés par la galerie Salle Principale (Paris).

© Frederik Korfix

L’idée motrice de cette carte blanche intitulée Activities est de réunir des artistes autour de la question du collectif, du travail et de la place de l’individu dans notre société. Performances, musiques, installations, discussions « fictionnées », autant de mises en place d’espaces de réflexions pour tenter de prendre ensemble du recul par rapport au rythme endiablé que nous impose notre économie.

Au programme, trois temps forts, au cours desquels le spectateur sera, selon son désir, déambulant, acteur, observateur.

Carole Louis, (sculptrice, céramiste, actrice de ses propres installations) sait rire et pleurer de ses constats d’un monde dont nous sommes tous acteurs. Carole Louis flirte avec nos faiblesses en créant des atmosphères dont on se sent partenaires souriants mais aussi citoyens démunis. Ici elle nous propose un voyage (trop) organisé.

Zoé Dubus et Antoine Garrec, unissent leurs talents en recréant un monde satirique, entre le "team building" et le combat solitaire d’un romantique en perdition. Zoé Dubus crée décors interactifs de paysages dévastés et Antoine Garrec, au synthé, nous raconte sa solitude et sa quête sans fin d’une love story fantasmée.

Luce Goutelle offre au spectateur la possibilité de se raconter, d’opter avec la légèreté de la fiction un point de vue sur la notion de burn out.

Une soirée de constat de l’apocalypse et de potentielle réhabilitation pour un nouveau monde!

© Carole Louis

Benoît Bodhuin est graphiste, designer de caractères et enseignant. Un cursus indécis - mathématiques puis graphisme - une pratique affranchie et un intérêt pour la typographie le caractérisent. Curieux de tout, ses domaines de prédilection sont le dessin (et la customisation) de typographies et le graphisme.

David Bennewith est un designer graphique et chercheur de design né en Nouvelle-Zélande, basé à Amsterdam. Sous le nom de Colophon, il travaille sur des recherches et des projets de commande axés sur le dessin de caractère et la typographie. Il a fait des recherches approfondies sur la création de caractères néo-zélandais, en particulier sur le travail de Joseph Churchward, publiant une monographie sur lui en 2009. Entre 2013 et 2015 Bennewith était professeur dans le département Communication Design de la HfG Karlsruhe, et depuis 2015 il est responsable du département Design graphique à la Gerrit Rietveld Academie, Amsterdam.

Édouard Pagant (1987) a réalisé une intervention permanente sur l’ensemble des 1000 m2 de la cour de récréation de l'école communale « Les Rives du Hain » à Braine-le-Château. Cette commande publique a été conçue et réalisée sur base de nombreux échanges entre Édouard Pagant et la classe de cinquième dirigée par Aurélie Tamignau. Sur une période de deux ans, un processus avec ateliers participatifs a conduit à une réalisation intégrant le foisonnement d’idées portant sur trois ensembles : la végétation, deux modules de jeu et la peinture du sol. Cette démarche fortement contextuelle et ancrée dans la pédagogie, a fait appel à l’écoute, à l’observation, aux échanges, mais aussi au repérage, aux tests, et au dessin, pour arriver à la formulation claire d’un projet ancré dans la matière venant des élèves et traduite en réalités tangibles dont l’attrait visuel a plusieurs niveaux de lecture.

https://espaceurbain.be/gallery/19/

Le chantier a été mené à bien grâce aux ouvriers communaux et à l’intervention de stagiaires : Laura Ughetto, Stéphane Abitbol et Nathan Lerat.

Documents

1569682579-pagant-communique-de-presse.pdf

PAGANT • COMMUNIQUE DE PRESSE

C’est une première pour La Cambre qui présente, entre autres, les éditions des masters 2019: Abigaël Huyard, Charlène Mao (dont l’édition a été acquise par Les Amis de La Cambre), Sean Tay qui activera son édition/masque performative, et Marie Theurier.

https://www.aaartbookfair.be/en/

Le réseau ECART, pour European Ceramic Art & Research Team, rapproche cinq écoles supérieures d’art afin de réfléchir et de travailler autour de problématiques diverses questionnant la céramique comme médium, tant dans le champ de l’art que dans celui du design.

La Haute École d’Art et de Design – CERCCO, Genève,
L’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, Bruxelles,
L’École Nationale Supérieure d’Art de Limoges,
L’École Supérieure dʼArts Plastiques de la Ville de Monaco – Le Pavillon Bosio,
L’École Nationale Supérieure d’Art de Nice – La Villa Arson.

© Head – Genève, Baptiste Coulon

Kianoush est le président fondateur de United Sketches l’association internationale pour promouvoir la liberté d’expression et soutenir les caricaturistes en exil.
Il est l’auteur du livre Journal intime de la Terre, publié en 2018.

http://kianoush.fr/

© Art of Danger, Kianoush Ramezani

La connaissance des matières, la recherche, l'innovation, la technologie et les méthodes de production, sans parler de la conscience écologique, éthique et sociale, sont les thématiques abordées dans l'exposition TEXTILES REVEALED. Cette exposition rassemble d'imposantes installations, des meubles, des tapisseries et des tapis contemporains.

Comme l'explique Edelkoort : «L'exposition remet en question les idées préconçues sur les textiles traditionnels belges (souvent limités à l'héritage séculaire du lin) et déroule à la place un fil rouge passionnant entre les designers. Tuftage, feutrage, jacquard numérique et torsades ne sont que quelques-unes des techniques employées par une nouvelle génération qui redéfinit les limites de la créativité textile.»

Le New York Textile Month est la vitrine idéale pour une telle créativité. Qu'il s'agisse de pièces de collection uniques ou de travaux d'aménagement d'intérieurs, les textiles font partie intégrante du design belge contemporain.

Bien qu'exposant régulièrement lors de grands événements de design en Europe, TEXTILES REVEALED est la première présence de Belgium is Design aux États-Unis et la première fois que le label se concentre exclusivement sur le textile. L'événement offre une chance unique aux designers sélectionnés de rencontrer les architectes d'intérieurs, collectionneurs, et galeries les plus dynamiques d'Amérique.

https://wbdm.be/agenda/belgium-is-design-textiles-revealed.htm?lng=fr

https://wbdm.be/news/lidewij-edelkoort-un-futur-effrayant-mais-terriblement-passionnant.htm?lng=fr

© BedrossianServaes

Créée en 2019 par le service culturel de l’Ambassade de France à Houston et l’Association Fénelon Beaux-arts (Nantes-France), cette résidence artistique de deux mois axée sur la recherche et l’expérimentation offrira à Gaëlle Leenhardt un espace de travail pour développer de nouveaux projets et favoriser le développement de sa pratique artistique. Choisie parmi 61 candidatures par un jury franco-américain, l’artiste recevra une bourse de 6000 US$ et sera logée dans un espace de résidence et de création situé à Marfa.

Les sols acides © Gaëlle Leenhardt, 2018

Documents

1568898923-cp-francais-gaelle-leenhardt-laureate-de-la-residence-large-scale-a-marfa-texas-2019.pdf

Communiqué de presse

Le certificat en Danse et pratiques chorégraphiques est organisé en partenariat avec Charleroi danse, l’INSAS/Institut Supérieur des Arts du Spectacle, Conservatoire Royal de Bruxelles et l'UO / Université ouverte de la Fédération Wallonie-Bruxelles, en collaboration avec la filière en Arts du spectacle de la Faculté de Lettres, Traduction et Communication de l’Université Libre de Bruxelles.

© Cividino

Program :
First Day (4th November)
9:00 – 13:00 and 14:00-18:00, Lecture, Cremonesi
Properties and mode of action of water. The aqueous environment: pH, acids and bases, buffers. Ionization, dissociation and hydrolysis. Salts and solubility. Ion concentration, conductivity and related processes: ion diffusion and osmosis. Hypo-, iso- and hyper-tonicity of aqueous solutions. Auxiliary ‘active principles’: surfactants and chelators, classification and mode of action. Gelling materials: polysaccharide-based and polyacrylic acid derivatives. Thermo-reversible gelling materials. Classification and mode of action of hydrolytic enzymes.
Classification and properties of organic solvents. Volatility, diffusion and solving power. The issue of toxicity. The solubility parameters. A gradual approach to solubility of film-formers: the solubility test. Siloxanes in free and gelled form. Temporary hydrophobization of water-sensitive surfaces

Second Day (5th November)
9:00 – 13:00 and 14:00 – 18:00. Practical Session, Cremonesi.
Preparation of aqueous solution and solvent mixtures in free and gelled form. Measuring surface parameters (pH and conductivity).

Third Day (6th November)
9:00 – 13:00 and 14:00 – 18:00. Practical Session, Satto
Aqueous and solvent treatments on selected case studies.

Fourth Day (7th November)
9:00 – 13:00 and 14:00 – 18:00. Practical Session, Satto
Aqueous and solvent treatments on selected case studies.

Registration :
For the 2-day program (day 1 & 2):
Registration is compulsory and is only valid after receiving your payment.
Please use the registration form: Click here

For the 4-day program :
Please use the attached application form: Click here

Don't forget to specify : workshop Cremonesi 2 days + your name OR workshop Cremonesi 4 days + your name
ENSAV – La Cambre
Abbaye de La Cambre, 21
B – 1000 Bruxelles
IBAN : BE67 0912 1205 7587
BIC : GKCCBEBB

>>> For the 4-days workshop <<<

The selection of the 20 professional participants will be made at the end of September.

Only application forms received before September 27th will be taken into account.
Notification will be done on the acceptation to the program end September.
Final registration will only be confirmed upon reception of the payment before October 15th.
If not accepted to the program, you will be automatically included on a waiting list and you can still participate to the 2-day program.

Contact :
Marie Postec, art restorer and head of program Fine Art Conservation at La Cambre
marie.postec@lacambre.be

Showroom 2 — 3 — 4 — 5
Horaires du 15 au 28 juin :
du mercredi au dimanche de 12h à 20h
Ouverture non-stop du samedi 29 juin à partir de 12h jusqu’au dimanche 30 juin, 22h (dans le cadre du Festival KANAL)

Les jurys de Master s'y tiendront du 11 au 25 juin.

Les visiteurs qui souhaitent assister aux jurys à KANAL — Centre Pompidou doivent se présenter impérativement à 10h, au 7 quai de Willebroeck, 1000 Bruxelles.

Partenaire : KANAL — Centre Pompidou

Avec le soutien de la Ville de Bruxelles et de la Fédération Wallonie-Bruxelles.

Documents

1558963230-jurys-2019-maj-2305.pdf

Calendrier des jurys 2019

Photo — Pierre Debusschere
Direction artistique — Pierre Daras
Modèle — Alphonse Eklou
Mains — Etudiants 2019
Make-Up — Make-Up for Ever
Design — Steve Jakobs & Mpointproduction
Production — Tony Delcampe, La Cambre Mode[s] © 2019

TROUBLE est depuis 2005 le rendez-vous international de la performance à Bruxelles. Après neuf éditions dans différents lieux (Halles de Schaerbeek, La Bellone, Bozar, ISELP, Bains : Connective, espace public...), et une parenthèse de quelques années, le festival revient dans un format plus convivial. C’est le Studio Thor – le lieu occupé par la compagnie du chorégraphe Thierry Smits – qui en sera l’épicentre désormais.

Antoine Pickels, curateur du festival.

© Souviens-toi de Alexane Sanchez

Production et organisation
Cie & Studio Thor | Thierry Smits

En partenariat avec
Bozar Performing Arts
L’ENSAV-La Cambre
Le master en arts du spectacle vivant de l’ULB
Radio Panik
L’Unité Pastorale Les Coteaux
Le Lycée Guy Cudell

Avec l’aide de la Fédération Wallonie-Bruxelles
Service public francophone bruxellois
Wallonie-Bruxelles International
La Commune de Saint-Josse
Spain Arts & Culture / Service culturel et scientifique de l’Ambassade d’Espagne en Belgique
visit.brussels
l’Institut français

Documents

1556534259-dp-trouble.pdf

Dossier de presse TROUBLE

Sophie Berrebi (PhD du Courtauld Institute of Art, Université de Londres, 2003), est une écrivaine et universitaire née à Paris. Auteure de The Shape of Evidence, Contemporary art and the document, (Amsterdam, 2015), Dubuffet and the City: People, Place and Urban Space (Zürich, 2018), elle est également l’éditrice de Hubert Damisch, Jean Dubuffet, Textes et Correspondances, 1961-2001 (Paris, 2016). Elle a publié de nombreux articles d'histoire de l'art et critiques d'art contemporain. Elle enseigne à l'Université d'Amsterdam et est curatrice d’expositions. Elle a reçu des bourses des institutions suivantes : Getty Research institute, Terra Foundation for the Arts, Netherlands Institute of Advanced Studies (Amsterdam), Research Center for Material Culture (Amsterdam).

Après un travail de recherche permettant de dégager une thématique singulière, chaque groupe a sélectionné un ensemble de six livres francophones «exemplaires», publiés durant les cinq dernières années. La notion d’exemplarité ne concerne pas uniquement l’apparence graphique des ouvrages, mais également le processus d’élaboration, l’inscription contemporaine et la relation entre forme et contenu. Une publication éditée par chaque école retrace le cheminement de chaque équipe.

Les ouvrages sélectionnés sont présentés dans une exposition articulant ces regards divers sur l’édition contemporaine. Un colloque au cours duquel neuf intervenant.es (graphistes, artistes, critiques d’art, commissaires d’exposition ou éditeurs) discutent de ces mêmes questions, en rapport avec les sélections et les thématiques retenues. Plusieurs expositions et événements parallèles, témoignant d’une scène rennaise particulièrement active, permettent d’élargir et d’ouvrir la réflexion autour des pratiques éditoriales.

Voir www.exemplaires2019.fr

La participation des masters de l'atelier de typographie de La Cambre se cristalise autour d'ouvrages de bande dessinée, prises sous l'angle de l'objet. Plus d'informations sur lacambretypo.be/exemplaires2019.

L’exposition interroge le rapport qu’entretient l’artiste entre la fiction et la réalité dans son travail. Le lieu d’exposition n’est plus un simple support pour l’art, mais se construit, bouleversé par les intentions plastiques qui décuplent son potentiel narratif, suggérant des réels différents, proche d’une atmosphère de studio de cinéma. Les propositions plastiques respectives s’approprient et transforment l’espace par le biais de la photographie, de la retouche photo, de la vidéo, de l’installation et de l’intervention in situ.

Commissaire d'exposition, Mikael Dans

© Clé chromatique bleue, CMJN 90, 68, 0, 0. Bleu d’incrustation utilisé comme matrice virtuelle pour réaliser des effets spéciaux au cinéma.

Documents

1554456450-article-la-libre-expo-space.jpg

Article dans le journal LA LIBRE du 3 avril 2019

Fabrice Reymond est écrivain et artiste.
Il a co-dirigé Art conceptuel : une entologie en 2008. Il est l’auteur de Nescafer.dvd édité aux Laboratoires d’Aubervilliers en 2002, d’Anabase en 2009, de Canopée en 2012, de L’eau se rappelle la cascade en 2015 aux éditions Mix, et de A l’opéra derrière un poteau en 2015 chez post-éditions.Seul ou en collaboration il adapte régulièrement ses textes sous forme de film, de performance ou d’exposition. fabrice.reymond.free.fr

© Reda El Toufaili, Boa Sorte avec Sabrina Da Silva Medeiros, 2018

• La première thématique intitulée Pratiques déviantes et libertés logicielles abordera les pratiques amateures déviant les normes logicielles de l'industrie, que les pratiques numériques en écoles d'art questionnent jusqu’ici assez peu. Quelles situations d'apprentissage peut-on développer avec ces processus révélant leur complexité infinie, à considérer désormais comme de véritables outils à penser ?

• La deuxième thématique, (Block)chain of Love, explorera comment les artistes peuvent s’emparer de la blockchain pour la transformer en un médium artistique, après avoir replacé cette nouvelle technologie sous-jacentes aux cryptomonnaies dans un contexte politique et sociétal plus vaste qui est celui des communs.

• Enfin, sous le thème Algorithmes et Big Data : une exigence de compréhension, nous questionnerons la place du sensible dans un univers de méga-données brutes aux individus rendus transparents et confrontés aux boites noires d'un monde de plus en plus opaque, frappé par la généralisation de la calculabilité.

© Kevin Abosch & Ai Weiwei, Priceless (Sharing Tea), 2018

Documents

1551690037-programme-journee-etudes-2019.pdf

Programme journée études 2019

Étienne Clément a été en charge de ce dossier à l'UNESCO et est donc l'un des meilleurs spécialistes du sujet au monde. Juriste de formation (ULB), il a dirigé l’Agence Asie-Pacifique de l’UNESCO en charge du patrimoine culturel. Il est également Professeur invité à l’Université de Lille 2.

Conférence à l'initiative de l'Association des Étudiants en Restauration d'Œuvres d'Art (A.E.R.O.A.).

La filiation entre l’école que van de Velde anime lui-même à Weimar dès 1904 et le Bauhaus reste controversée, sinon méconnue. Pourtant, entre 1900 et 1914, van de Velde contribua à assurer à l’Allemagne un véritable leadership européen en matière d’architecture et d’arts industriels, avant que le Bauhaus ne prenne le relais de 1919 à 1933.
Quels sont les liens qui unissent le Bauhaus et Henry van de Velde ? Le Bauhaus aurait-il vu le jour sans l’engagement, précurseur, d’Henry van de Velde dans l’enseignement des métiers d’art ? Ce focus sur Henry van de Velde se déroulera en plusieurs temps : outre la publication d’un nouveau numéro des Cahiers Henry van de Velde, rédigé par Anne Van Loo et consacré aux années allemandes de Henry van de Velde, un colloque intitulé Henry van de Velde et le Bauhaus. Art, pédagogie et industrie se tiendra le 15 février 2019 au Palais des Académies.

Inscription souhaitée : communication@lacambre.be

Organisateurs
Fonds Henry van de Velde asbl, Faculté d’Architecture de l’ULB La Cambre–Horta, ENSAV La Cambre.

Partenaires
Académie royale des sciences, des lettres et des Beaux-Arts de Belgique, Ambassade de la République fédérale d’Allemagne à Bruxelles.

Soutiens
Le Ministre de l'Enseignement supérieur, de la Recherche et des Médias, la Cellule Architecture de la Fédération Wallonie-Bruxelles et Wallonie-Bruxelles international

Documents

1547115182-programme-fr-henry-van-de-velde-und-das-bauhaus-bruxelles-15fevrier2019.pdf

Programme détaillé du colloque (FR)

1547115980-programme-fr-henry-van-de-velde-und-das-bauhaus-bruxelles-15fevrier2019.pdf

Programm symposion (DE)

1547117679-bauhaus-flyer-1.pdf

Flyer colloque

François Frimat est philosophe, enseigne la philosophie de l’art à l’université de Lille et à Sciences-Po Lille. Il est également président du festival Latitudes Contemporaines (eurométropole lilloise). Il a notamment publié Qu’est-ce que la danse contemporaine ? Politiques de l’hybride aux PUF en 2011.

Les étudiants de Design textile, mettant en jeu des protocoles de création et leur démarche expérimentale, ont investi la culture et les archives des Manufactures Catry pour aborder la formidable technique du tissage Jacquard Wilton.

Les étudiants de l'atelier de Stylisme et création de mode[s], à travers un singulier exercice de volume double, proposent une utilisation originale de la précieuse dentelle Leavers mise à leur disposition.

Commissariat : Lola Meotti et Alain van der Hofstadt

Le quatrième projet du réseau ECART intitulé Architectures céramiques, de la structure à l’ornement, a démarré par des rencontres et deux jours de conférences à la Villa Arson à Nice. Puis trois sessions de 1 semaine chacune, de visites et de travail ont eu lieu à Viana do Castelo au Portugal en décembre 2017, mars et avril 2018. Dans un souci historique lié à la tradition architecturale en céramique, nous avons établi une collaboration avec l’IPVC (Institut polytechnique) de Viana do Castelo. L'exposition "Infime écart" présente à la Casa Capela das Malheiras le travail réalisé collectivement par une trentaine d'étudiants provenant des différentes écoles.

°La Haute École d’Art et de Design – CERCCO, Genève,
L’École nationale supérieure des Arts visuels de La Cambre, Bruxelles,
L’École Nationale Supérieure d’Art de Limoges,
L’École Supérieure dʼArts Plastiques de la Ville de Monaco – Le Pavillon Bosio,
L’École Nationale Supérieure d’Art de Nice – La Villa Arson.

Sixtine Jacquart, diplômée 2012 de l'Atelier Céramique